En 2002 il pose ses valises en Alsace et il est vite adopté par le milieu culturel régional. Il va tracer une toute nouvelle route musicale grâce au soutien et à la confiance de nombreuses salles, la Région, d'artistes et de collègues musiciens. Sollicité, il compose un nouveau répertoire pour la petite-enfance. Pour un grand festival d'accordéon il imagine et propose un concept de bal pour enfants "Planète-Bal" qui deviendra une référence localement. Il publie deux nouveaux CD et un DVD, écrit et enregistre 8 albums pour les crèches "Chante en couleurs". Il réalise ensuite 2 livres CD dont un bilingue "Les Alsa'comptines" avec ses chansons interprétées en alsacien par des artistes locaux. 

Gérard Dalton est d'abord, un interprète devenu à son tour auteur et compositeur. C'est un acteur de la musique et il aime à faire vivre une chanson par la gestuelle, l'humour et le contact. C'est grâce à de belles rencontres qu'il fait vivre en musique des chansons qui ne demandaient qu'à s'envoler vers le plus grand nombre. Ainsi qui ne connaît pas "la Sorcière Grabouilla" écrite par Francine Pohl, mais tellement incarnée depuis 20 ans par Dalton sur CD et surtout on s'en doute, sur scène. Daniel Thibon (auteur pour R.Charlebois & J.Gréco) Daniel Coulon, Francine Pohl, Yves Masson ont beaucoup contribué au "style" de l'artiste. Bien entendu il écrit bon nombre de ses chansons et musiques, particulièrement en atelier dans les classes ou crèches. Mais surtout c'est avec la complicité des différents musiciens qui l'ont accompagnés  qu'il est devenu un artiste incontournable de la chanson pour enfant.

Il donne de nombreux concerts, environ 180 entre 2000 et 2003, en solo ou accompagné de ses musiciens. En 2008, ses musiciens sont Christophe Darlot Le ToUf (claviers, accordéon, et souvent arrangeur de la plupart des titres, c'est également lui qui réalise les albums), François Grimm La Chicane (guitares), Stéphane Metin Groin-Groin (basse, contrebasse et chœurs), Cédric Desmazières Bitchon (batterie, percussions, chœurs) et Thomas Nicol (violoncelliste, claviériste et guitariste).

Ses textes évoquent largement la nostalgie de l'enfance (Tête en l'air, Carpe Diem) pas toujours idéale (Rentrée des classes), et vantent la vertu de la paresse (la Méthode Couette). Il se reconnait assez dans le « syndrome de Peter Pan ».

Le 17 mars 2003, il sort son deuxième album, Sur place ou à emporter. Cette même année, il est le lauréat du Trophée Radio France de la chanson française⁵.

En 2004, il poursuit sa série de concerts et son troisième album, L'Année du Singe, parait le 18 octobre suivi d'une tournée qui l’amènera notamment à l'Olympia.

Observateur de notre quotidien et de notre société, l’artiste manie humour, ironie et naïveté enfantine. L'album Les Paradis disponibles sort le 16 octobre 2006, un album beaucoup plus personnel qui permet à l'auteur d'atteindre la semaine de sa sortie la 7^e place du top album.

Le 27 octobre 2008, il sort Enfantillages, un album pour enfants et grands enfants auquel participent plusieurs artistes : Clarika, Anne Sylvestre, Steve Waring, Maxime le Forestier, Marcel Amont, Élodie Frégé, Riké (de Sinsémilia), Vincent Baguian, les Ogres de Barback, Amélie les crayons, Yves Jamait et Renan Luce.

En avril 2009, il s'est exprimé au sujet de la Loi Hadopi : « J'ai soutenu cette loi essentiellement pour le principe. Mon métier et beaucoup d'autres étant en danger, il me paraissait normal de réagir (...) malheureusement, cette loi parait inadaptée et elle n'aura qu'un effet marginal ».

Début 2010, il crée le spectacle intitulé J'ai 10 ans à Thaon-les-Vosges. Accompagné de quelques artistes du Cirque Plume et de leur directeur artistique, Bernard Kudlak. Il est en tournée avec ce spectacle de mai à novembre 2010.

Le 28 octobre 2011, il sort Les Meilleurs Amis, son huitième album.

En 2012, il chante Ma p'tite chanson (Paroles de Robert Nyel, musique de Gaby Verlor) dans le CD "Bourvil chanté par...", aux éditions Formulette.

Le 7 octobre, il sort l'album Enfantillages 2 qui, comme le premier, est un album pour les petits et les grands. Sur cet album, on retrouve entre autres Alizée, Archimède, Jacob Desvarieux et Jocelyne Béroard du groupe Kassav, Sophie Tith, Bénabar, Louis Chedid, Claire Keim, Didier Wampas et quelques autres.

En 2015, il sort un nouvel album, Enfantillages de Noël, avec des chansons inédites et toujours avec des invités : Oldelaf, Jean-Pierre Marielle, Gaëtan Maire, Michaël Grégorio, Florent Marchet et Pauline Croze.

Le 22 septembre 2017, Aldebert sort l'album Enfantillages 3. De nombreux artistes participent à ce nouvel opus : Olivia Ruiz, Grand Corps Malade, Zaz, Mathias Malzieu (chanteur du groupe Dionysos), Malou (la fille d’Hubert, le guitariste), Gaëtan Roussel, Tryo, Thomas VDB et Charles Berling. Une tournée suit la sortie de ce nouvel opus, avec des concerts pour les petits et les grands (joués en après-midi et en soirée). 12 dates sont programmées pour La Cigale à Paris.

En 2018, il commence à écrire pour Hachette une collection de livres-CD pour enfants où le protagoniste a son nom.

En mai 2020, pendant la pandémie de covid 19, Aldebert sort le titre Corona Minus, la chanson des gestes barrières à l’école, qui présente aux plus jeunes les gestes barrières. Le clip est une compilation de vidéos réalisées par ses fans en réponse à son appel sur Facebook.

À partir de septembre 2020, il apparait dans l'émission "Par Jupiter !" certains mercredis.

En octobre 2020, il est le parrain du Txiki Festival qui a lieu chaque année à Biarritz.

En 2021, il sort Enfantillage 4. En collaboration avec Florent Bégu pour les illustrations, il publie en mai 2022 Le Mélangeur de rêves aux éditions Glénat, un livre-CD pour enfants.

Après sa formation au Conservatoire de Varsovie et un début de carrière en Pologne et à Vienne, il choisit d'émigrer en France où il trouve son inspiration dans l'effervescence du monde pianistique parisien et dans le souvenir de sa patrie meurtrie. Il y rencontre George Sand, qui sera sa compagne pendant neuf ans.

Reconnu comme l'un des plus grands compositeurs de musique de la période romantique, Frédéric Chopin est aussi l'un des plus célèbres pianistes du XIX^e siècle. Sa musique est encore aujourd'hui l'une des plus jouées et demeure un passage indispensable à la compréhension du répertoire pianistique universel. Avec Franz Liszt, il est le père de la technique moderne de son instrument et son influence est à l'origine de toute une lignée de compositeurs tels Gabriel Fauré, Maurice Ravel, Claude Debussy, Sergueï Rachmaninov, Alexandre Scriabine.

Identité de Chopin

Le contexte historique de sa vie

Le duché de Lorraine et la Pologne au XVIII^e siècle

En 1725, le roi de France Louis XV épouse Marie Leszczy?ska, fille de Stanislas Leszczynski, roi de Pologne de 1704 à 1709, réfugié en Lorraine (territoire relevant alors du Saint-Empire romain germanique) ; en 1737, Stanislas devient duc de Lorraine et le reste jusqu'à sa mort en 1766 ; c'est seulement à ce moment que la Lorraine devient française, peu avant qu'y naisse (1771) Nicolas Chopin, le père de Frédéric, qui quitte la France pour la Pologne en 1787, comme précepteur dans une famille noble.

La Pologne de 1795 à 1830

En 1795, le royaume de Pologne disparaît à la suite du troisième partage entre la Russie, la Prusse et l'Autriche.

Les guerres napoléoniennes permettent en 1807 le rétablissement d'un État polonais, le Duché de Varsovie, dans lequel naît Frédéric en 1810. Mais la retraite de Russie entraîne son occupation par les Russes en 1813 et sa disparition en 1815, lors du Congrès de Vienne : la Prusse contrôle l'ouest (Grand-duché de Posen) ; la Russie l'est (royaume du Congrès), et le centre, avec Varsovie ; l'Autriche le sud (Tarnopol, Wieliczka) tandis que la République de Cracovie est soumise aux trois puissances de la Sainte Alliance.

Le royaume du Congrès, aussi appelé « royaume de Pologne », a pour souverain l'empereur de Russie (la famille Chopin est désormais ressortissante de ce royaume polonais sous contrôle russe). Le tsar Alexandre I^er lui donne une constitution relativement libérale.

L'insurrection de novembre 1830 et ses conséquences

Le royaume vit avec une certaine autonomie jusqu'à l'avènement (1825) du tsar Nicolas 1^er, tenant de l'absolutisme. En novembre 1830, débute une insurrection, qui est violemment réprimée et entraîne à la fin de 1831 la mise au pas de la Pologne russe (suppression de la constitution, etc.).

De nombreux membres de l'« armée polonaise » se réfugient à l'étranger ; plusieurs milliers vont jusqu'en France, où ils bénéficient d'une grande sympathie et de secours officiels. C'est dans ces circonstances tragiques que Frédéric Chopin arrive en France, sans être lui-même un réfugié de l'insurrection.

La France et l'Europe de 1831 à 1849

Chopin vit en France essentiellement pendant la Monarchie de Juillet (1830-1848), ainsi qu'au début de la Seconde République (1848-1851).

En Europe, l'année 1848 est importante, puisque des soulèvements ont lieu dans de nombreux pays, en Allemagne, en Italie, en Hongrie, etc. Le XIX^e siècle est en effet marqué dans toute l'Europe par le mouvement des nationalités, notamment en Pologne; durant ces années, Chopin devient une figure importante du mouvement national polonais.

La nationalité de Chopin

Frédéric Chopin est le fils de Nicolas Chopin (1771-1844), né à Marainville-sur-Madon (actuel département des Vosges) et de la Polonaise Tekla Justyna Krzy?anowska (pl) (1782-1861). Venu en Pologne au service de la comtesse Skarbek, Nicolas épouse Tekla Justyna, parente et dame d'honneur de la comtesse, en 1806.

Compte tenu du fait qu'il a un père français, la question de la « nationalité » (au sens d'appartenance étatique) de Chopin a fait l'objet d'un débat parfois passionné pour déterminer son statut officiel. Mais la nationalité peut aussi être envisagée de façon moins stricte, au sens d'identité nationale (indépendamment de l'appartenance étatique).

Une identité polonaise

Chopin se considérait, et était considéré par ses contemporains, comme un Polonais. Ses compatriotes parlent de lui comme du compositeur national polonais ; que ses amis font de même : Balzac écrit de Liszt et de Chopin : « Le Hongrois est un démon, le Polonais un ange » ; Liszt parle de l'« artiste polonais ».

Chopin a passé les vingt premières années de sa vie en Pologne. À son époque, cet élément est suffisant pour lui assurer une identité polonaise : le fait d'avoir quitté la Pologne à l'âge de 20 ans et ne plus jamais y être retourné ne modifie pas cette donnée primordiale. Alfred Cortot accorde une grande importance au rôle éducatif de sa mère : « l'influence exercée par l'atmosphère spécifiquement féminine du foyer familial, où jusque vers la treizième année, il vivra, selon la formule consacrée, dans les jupes de sa mère et de ses sœurs » .

Cependant, cette identité n'est pas seulement la conséquence d'une jeunesse polonaise et d'une convention sociale. Non seulement « Chopin, en Pologne s'est construit polonais », mais le musicien revendique fréquemment son allégeance à ce pays. L'oppression russe à partir de 1831 est ressentie par le musicien, comme « la pathétique signification d'un tourment inguérissable et d'une blessure à jamais ouverte ».

Le patriotisme douloureux de Chopin se traduit dans sa musique, comme Liszt l'avait déjà remarqué : « ... et les plaintes de la Pologne empruntaient à ces accents je ne sais quelle poésie mystérieuse, qui pour tous ceux qui l'ont véritablement sentie, ne saurait être comparée à rien... ». Si cette dimension d'exilé du musicien sarmate, comme l'appelle Robert Schumann, fréquemment évoquée par les biographes du passé, est reprise par les musicologues contemporains, elle est néanmoins interprétée différemment. Pour Eigeldinger, elle est maintenant comprise comme une nostalgie typiquement slave, une sensibilité culturelle, qui dépasse la contingence politique. Pour Liszt, Chopin « pourra être rangé au nombre des premiers musiciens qui aient aussi individualisé en eux le sens poétique d'une nation ».

La France, terre d'élection

Si l'identité polonaise de Chopin n'est jamais niée, la relation entre la France et Chopin est importante.

Un premier élément est l'origine française de son père, qui, en vertu des dispositions du Code civil, permet à Frédéric de bénéficier de la nationalité française.

D'autre part, Chopin s'installe à Paris en 1831 et va y passer près de la moitié de sa vie. La ville est, à cette époque, une des capitales culturelles du monde. Il y noue ses amours et ses amitiés les plus importantes : Sand, Delacroix, Liszt ou Pleyel. Il y rencontre le tout Paris artistique : Balzac, Berlioz, Thalberg, Kalkbrenner, Erard, Heine, et aristocratique. L'univers artistique et culturel dans lequel le compositeur a produit l'essentiel de son œuvre n'est pas la Pologne, mais la France.

Son influence est particulièrement marquée en France. Pour le musicologue Eigeldinger l'allégeance de Debussy, vis-à-vis du Maître polonais est patente. Cette influence, aussi présente chez Ravel ou Fauré, ne se limite pas à la musique : « Par là le musicien anticipe le principe verlainien : « Rien de plus cher que la chanson grise / Où l'indécis au précis se joint ». Son impressionnisme musical se retrouve en peinture : « ... en vue de produire un poudroiement sonore assez analogue à certains effets de lumière, à la fois flous et précis, dans la peinture d'un Monet ».

Universalité de Chopin

Si la sensibilité de Chopin est polonaise et se traduit par la reprise de mélodies populaires, sa langue musicale est « savante », elle participe de la « grande musique » pour reprendre une expression de Delacroix. « Chopin a su, le premier, prêter une attention fascinée aux chants et danses populaires de sa Pologne natale, sans jamais en citer intégralement la moindre phrase dans sa production. À un compatriote pour lequel il improvisait à Paris et qui croyait réentendre une berceuse de son enfance, Chopin réplique : « Cette chanson, tu ne pouvais la connaître... mais seulement l'esprit qui l'anime : l'esprit d'une mélodie polonaise ! ». Sa musique est issue d'une élaboration savante de l'harmonie et du contrepoint. Elle est avant tout aristocratique et est fort loin d'une forme populaire ou folklorique. En ce sens, le langage musical de Chopin est plus universel que polonais. Néanmoins, à part l'influence du folklore du terroir qu'il a su universaliser comme nul autre, le jeune Chopin a sans doute subi celle du prince Michal Kleofas Oginski (1765-1833) dont les 26 polonaises célèbres dans toute l'Europe de l'époque se distinguaient par l'élégance, le raffinement et la mélancolie presque mozartienne, typiques du préromantisme. À son tour, dans ses Polonaises, Chopin a su exprimer l'essence même de la « polonité » tout en lui donnant un caractère universel. C'est pourquoi Cyprian Norwid (1821-1883), le plus grand poète moderne polonais, les comparait à l'épopée grecque.

Les pères spirituels de Chopin sont nombreux, mais le musicologue Eigeldinger ne les trouve que dans le patrimoine universel et aucun n'est polonais : « Mozart était son Dieu, Séb. Bach, un des maîtres préférés recommandés à tous ses élèves ». Cette universalité des origines et de la musique de Chopin n'est pas reconnue uniquement par Eigeldinger. Cette analyse est aussi celle du poète Heine qui, dès 1837 rejoignait celle faite maintenant par la France et la Pologne : « Il n'est alors ni Polonais, ni Français, ni Allemand ; il trahit une origine bien plus haute, il descend du pays de Mozart, de Raphaël, de Goethe : sa vraie patrie est le royaume enchanté de la poésie ».

Biographie

La jeunesse en Pologne (1810-1830)

La famille

Arbre généalogique

Tekla Justyna Krzy?anowska (1782-1861)

Elle est originaire de la petite noblesse de Dlugie, en Cujavie. Elle a eu d'une éducation soignée, sait jouer du piano et chanter d'une voix de soprano. Orpheline, elle a été recueille par la comtesse Ludwika Skarbek, qui possède un petit domaine à ?elazowa Wola, dans le Duché de Varsovie. La comtesse est divorcée^{[réf. nécessaire]} d'un parent de Justyna. Avant la naissance de Frédéric, la future mère y tient le rôle d'intendante, surveillant les domestiques et les fermiers.

Nicolas Chopin (1771-1844)

C'est un fils de paysan né en Lorraine, à Marainville-sur-Madon ; son éducation a été assurée par la famille Weydlich, nobles d'origine polonaise qui rentrent dans leur pays en 1787 accompagné de l'adolescent. Émigré en Pologne dès l'âge de 16 ans et bien intégré dans son pays d'élection, Nicolas Chopin connaît une ascension sociale dans la bourgeoisie intellectuelle. De précepteur des enfants de la comtesse Ludwika Skarbek, il devient répétiteur de français, puis professeur au lycée de Varsovie et, à partir de 1820, à l'école militaire d'application.

Leur mariage a lieu à ?elazowa Wola le 2 juin 1806 où naissent Ludwika, puis Frédéric (le 1^er mars 1810). Frédéric est seulement ondoyé à la naissance et n'est baptisé que le 23 avril, par le vicaire de la paroisse Saint-Roch de Brochow, Jozef Morawski, qui établit l'acte de baptême ; le même jour, le curé, Jan Duchnowski, établit l'acte de naissance, en tant que « fonctionnaire de l'état civil de la commune paroissiale de Brochow, département de Varsovie ».

La petite enfance

Ils déménagent à Varsovie quelques mois après la naissance de Frédéric. Ils habitent d'abord dans l'ancien palais de Saxe, qui abrite le lycée, et ouvrent un pensionnat pour les fils des riches familles terriennes. Deux autres filles naissent en 1811 et 1812. En 1817, la famille déménage avec la pension au palais Kazimierz, en même temps que le lycée de Varsovie.

Les parents de Frédéric achètent rapidement un piano, instrument en vogue dans la Pologne de cette époque. Sa mère y joue des danses populaires, des chansons ou des œuvres classiques d'auteurs comme le Polonais Ogi?ski. Les enfants sont initiés très tôt à la musique.

Frédéric se révèle précocement très doué. Il n'a que six ans lorsque ses parents décident de confier sa formation à un musicien tchèque, Wojciech ?ywny, violoniste qui gagne sa vie en donnant des leçons de piano chez les riches familles de Varsovie. Il a probablement été formé par un élève de Bach à Leipzig. Ce professeur est original ; il apprécie surtout Bach, alors peu connu, Mozart et Haydn, c'est-à-dire des compositeurs d'une autre époque. Il est sceptique vis-à-vis des courants contemporains comme le « style brillant » d'un Hummel, alors très en vogue. Une spécificité de ?ywny est de laisser une grande liberté à l'élève, sans imposer de méthode particulière ou de longues heures d'exercices abrutissants. Que le professeur de piano du musicien ait été un violoniste de métier fait parfois dire que « Chopin a pratiquement été autodidacte »^,. Si toute sa vie, Le Clavier bien tempéré sera considéré par Chopin comme la meilleure introduction à l'étude du piano, ses premières compositions sont plus dans l'air du temps. En 1817, il compose deux polonaises inspirées des œuvres d'Ogi?ski. Le langage harmonique est encore pauvre, mais la subtilité et l'élégance, qui caractériseront plus tard les œuvres du maître, sont déjà latentes.

Comme le fait remarquer le compositeur André Boucourechliev, « les gens ne rêvent que de petits pianistes » ; à l'âge de huit ans, Frédéric a tout de l'enfant prodige. Si les comparaisons avec Mozart ne manquent pas, les situations sont néanmoins différentes car Nicolas Chopin n'a rien d'un Léopold Mozart. Frédéric se produit fréquemment dans les cercles mondains de l'aristocratie de Varsovie, « mais jamais son père n'en retirera un sou ». À huit ans, le musicien joue avec un orchestre et cette prestation est évoquée dans la presse locale. Il joue souvent devant le grand duc Constantin, frère du tsar, une fois devant la célèbre « cantatrice Catalani qui lui donna en souvenir une montre en or » et à partir de 1818 le « petit Mozart » est déjà célèbre à Varsovie. Le musicien gardera toute sa vie un goût prononcé pour la politesse et la sophistication de la vie aristocratique à laquelle il a été initié dès son plus jeune âge.

Le jeune Chopin grandit « comme dans un berceau solide et moelleux », dans une atmosphère aimante et chaleureuse où il développe un caractère doux et espiègle, sous le regard affectueux de sa mère qui, au dire de George Sand, « sera la seule passion de sa vie ».

Les années de lycée

Si la mère Justyna est une figure clé de la petite enfance de Frédéric, son père joue un rôle majeur durant les années de lycée. Nicolas lui apprend l'allemand, le français et, quand Frédéric le souhaite, il dispose dans cette langue d'un « joli coup de plume » comme en témoigne une lettre à George Sand : « Votre jardinet est tout en boules de neige, en sucre, en cygne, en fromage à la crème, en mains de Solange et en dents de Maurice ». La position sociale du père est devenue celle d'un intellectuel établi et, tous les jeudis, Frédéric voit défiler des figures intellectuelles phares du Varsovie de l'époque comme l'historien Maciejowski, le mathématicien Kolberg, le poète Brodzi?ski et les musiciens Elsner, Jawurek ou Würfel.

En 1822, ?ywny n'a plus rien à apprendre au jeune Chopin et le tchèque Würfel devient son professeur d'orgue. À l'opposé de ?ywny, ce professeur est un tenant du « style brillant » : « la musique de style brillant s'éloignait considérablement des modèles et idéaux classiques et apportait le souffle d'une esthétique et d'un goût nouveaux. Les procédés du jeu virtuose, inconnus jusqu'alors et introduits à présent... ». Elsner, directeur du Conservatoire, dans la même mouvance que Würfel, donne de temps en temps à Frédéric des cours d'harmonie et de théorie des formes musicales. Ce style fascine le jeune musicien, qui, en 1823, interprète des concertos de style brillant de Field et de Hummel dans le cadre de concerts de bienfaisance. Cette influence est aussi visible dans ses compositions, par exemple les Variations en mi majeur, composées durant ces années de lycée.

C'est à l'occasion des vacances, passées dans la campagne polonaise, que Frédéric prend conscience de la richesse du patrimoine de la musique populaire. Il passe plusieurs étés à Szafarnia en Mazovie et participe à une noce et à des fêtes des moissons. Dans ces occasions, il n'hésite pas à prendre un instrument. Il transcrit les chansons et danses populaires avec le soin et la passion d'un ethnologue. Il parcourt les villages et les bourgs des environs à la recherche de cette culture et va jusqu'à payer une paysanne pour obtenir un texte exact. Sa passion ne se limite pas à la Mazovie, puisque sa Mazurka en si bémol majeur de 1826 intègre des formules rythmiques de la région d'origine de sa mère, la Cujavie.

Selon André Boucourechliev, à travers à la fois l'intelligentsia à laquelle son père lui donne accès, la campagne populaire et l'amour maternel, « construit Polonais, Frédéric n'avait pas à hésiter sur son appartenance : pour lui, comme pour sa famille, les jeux étaient faits ». Et, comme le remarque la biographe Marie-Paule Rambeau, « c'est seulement après dix-huit ans d'exil que Frédéric dira qu'il s'est attaché aux Français comme aux siens ».

Le conservatoire

À l'automne 1826, le musicien amateur quitte le lycée pour le Conservatoire de musique de Varsovie, dirigé par Elsner et suit à l'université les cours de l'historien Bentkowski ainsi que ceux du poète Brodzi?ski. À cette époque, la querelle littéraire entre les partisans d'une esthétique classique et les romantiques fait rage à Varsovie. Le poète choisi par Frédéric représente la modernité, à l'opposé du professeur Ludwik Osi?ski. Pour Brodzi?ski, l'artiste « agit toujours mieux lorsqu'il met à profit l'inspiration, lorsqu'il se montre moins sévère envers certains écarts, ... . Qu'il laisse le sentiment se déverser et l'écarte ensuite, tel un juge froid, pour polir son œuvre, la compléter et la corriger? ». Pour Boucourechliev, « telle exactement sera la méthode de composition de Chopin - conforme à son tempérament à la fois spontané et amoureux de la perfection... ». L'influence du cours de littérature ne se limite pas à sa position sur le romantisme. Dans un pays de plus en plus bâillonné par l'autoritarisme russe, la création d'un art national est une préoccupation du poète, partagée par Elsner, ainsi que par de nombreux intellectuels polonais. Brodzi?ski précise : « ... je répète que les œuvres des génies, dépourvues de sentiments patriotiques, ne peuvent être sublimes? ».

Au conservatoire, le jeune musicien apprend la rigueur dans la composition. En 1828 Chopin écrit sa première sonate, en ut mineur. Cette obsession de maîtriser parfaitement les techniques de son art dans une œuvre monumentale conduit à des faiblesses et « tout ici l'emporte sur la spontanéité de l'inspiration qui saisit l'auditeur dans les autres œuvres du jeune compositeur. ». À la même époque, le musicien compose deux polonaises, en ré mineur et en si bémol majeur qui « expriment une envie spontanée de composer », mais « elles ont toutefois recours à des fonctions tonales très simples ». C'est néanmoins vers cette époque, que Chopin atteint sa maturité avec des œuvres comme les Variations en si bémol majeur sur le thème de Là ci darem la mano du Don Giovanni de Mozart, à l'origine d'un célèbre article de Schumann qui utilise l'expression « chapeau-bas messieurs, un génie ! ». C’est aussi dans cette période que le musicien parvient à intégrer dans des œuvres déjà matures, une sensibilité polonaise, avec par exemple un Rondeau de concert à la Krakowiak, terminé en 1828.

La maturation

De l'adolescence à l'âge adulte

Certains sentiments affectifs, caractéristiques de la vie d'adulte de Chopin, sont déjà présents durant cette période. Les camaraderies acquises au lycée deviennent de véritables amitiés. Mais on trouve déjà, dans sa correspondance, des traces de solitude et même de nostalgie, comme le montre cette lettre écrite à Tytus Woyciechowski (pl) : « J'ai la nostalgie de tes champs, ce bouleau sous ta fenêtre ne peut me sortir de la mémoire ». Tytus Woyciechowski et Julian Fontana resteront les confidents de Chopin durant l'essentiel sa vie.

Une tragédie marque profondément son âme slave. Sa cadette Emilia, atteinte par la tuberculose, meurt en deux mois le 10 avril 1827. C'est probablement à ce moment que Frédéric contracte la maladie qui ne le quittera jamais.

Cette période est aussi celle des premiers sentiments amoureux. Lorsque le compositeur écrit à Tytus : « J'ai, peut-être pour mon malheur, trouvé mon idéal », il évoque la cantatrice débutante Constance Gladkowska, à qui il ne se déclarera jamais. Pour Boucourechliev, « rien n'est plus révélateur de sa personnalité que cette passive contemplation amoureuse ». Le musicologue se demande si cet amour sublimé « n'a pas été le plus beau des prétextes à l'essor de ce lyrisme ? et si Chopin? n?a pas entièrement admis que le seul prolongement de son amour pût se trouver dans son œuvre ».

Les premiers concerts publics

D'autres éléments ont contribué à faire de l?enfant prodige un musicien professionnel reconnu. Varsovie propose au jeune Chopin de nombreux concerts et opéras, qu'il suit attentivement. Il entend la pianiste Maria Szymanowska, le Barbier de Séville, dont il critique violemment la représentation -- « ?J'aurai assommé Colli. Il chantait faux, cet Arlecchino italiano; il chantait faux à faire peur ! » -- ou Paganini. Cette découverte de la modernité n'est pas sans influence sur ses goûts : « Chopin veut réunir au piano les deux points les plus extrêmes de tout le jeu instrumental jusqu'à présent. Il vise à faire fusionner en un tout l'élément didactique issu de l'esprit formateur d'un Bach avec l'incandescence passionnée et le défi technique de Paganini ». Après le conservatoire, où il a pourtant appris la composition d'orchestre, Chopin devient « le seul génie musical du XIX^e siècle à s'être délibérément et exclusivement consacré à son médium », le piano.

À la fin de cette période, Chopin désire donner de véritables concerts publics rémunérés. Le premier, où il improvise, a lieu le 19 décembre 1829. Le 17 mars 1830, il en donne un second avec, au programme, son Concerto en fa mineur. Chopin est déjà reconnu : le concert est donné à guichet fermé. Cinq jours plus tard, le compositeur se produit de nouveau en public, avec le même concerto et le Rondeau de concert à la Krakowiak. Le Décaméron polonais du 31 mars indique : « M. Chopin est un véritable phénomène. Tous admirent avec enthousiasme le talent exceptionnel de ce jeune virtuose, certains même voient en lui un nouveau Mozart ». Le 11 octobre de la même année, le compositeur donne un grand concert d?adieu à sa ville.

Les premiers voyages à l'étranger

Pour Chopin, l'essentiel en effet ne se joue plus à Varsovie. En 1829, il déclare : « que m'importent les louanges locales ! Il faudrait savoir quel serait le jugement du public de Vienne et de Paris ». Depuis l'âge de 18 ans, il supporte de moins en moins le cadre étroit de Varsovie. Un premier voyage à Berlin est organisé en septembre 1828 avec le scientifique Feliks Jarocki. Mais le séjour s'avère décevant : ni concert ni rencontre intéressante. Encouragé par Elsner, il se rend une première fois à Vienne fin août 1830 et y fait fureur. Ce court voyage ne lui suffit pas. Comme au Hongrois Liszt, le métier d'artiste impose à Chopin une carrière internationale et Constance Gladkowska lui écrit : « Pour faire la couronne de ta gloire impérissable, tu abandonnes les amis chers et la famille bien-aimée. Les étrangers pourront mieux te récompenser, t'apprécier ». Ce n?est cependant pas sans appréhension qu'il quitte sa terre natale et il écrit à Tytus : « Lorsque je n'aurai plus de quoi manger, tu seras bien forcé de me prendre comme scribe à Poturzyn ».

C'est le 2 novembre 1830 que Chopin quitte la Pologne. Le musicologue Boucourechliev s'interroge : « Malgré le zèle nationaliste de ses thuriféraires polonais, poussé à l'excès (et toujours cultivé), malgré les déclarations et les pleurs sur la patrie occupée, malgré sa famille, restée la-bas, qui dut venir un jour à Karlsbad pour revoir son glorieux rejeton, Chopin ne mit jamais plus le pied en Pologne... Pourquoi cet abandon - pour ne pas dire ce refus obstiné ? »

Vienne (novembre 1830-juillet 1831)

Passé par Dresde et Prague, Chopin arrive à Vienne avec son ami Tytus le 23 novembre 1830, espérant renouer avec le succès de son précédent voyage. Les premiers jours sont heureux : il rencontre le compositeur Hummel, le facteur de pianos Graf, le médecin impérial Malfatti, dont l'épouse est polonaise ; il assiste à plusieurs opéras.

Plusieurs éléments concourent ensuite à rendre la vie du musicien difficile, en particulier l'évolution politique en Pologne. L'agitation révolutionnaire, après la France en juillet) et la Belgique en octobre, atteint la Pologne qui se révolte contre la tutelle russe : l'insurrection débute le 29 novembre. Tytus quitte Chopin pour la rejoindre ; le virtuose se trouve en proie à une solitude, mêlée d'un sentiment d'impuissance patriotique poussé à son paroxysme. Les Autrichiens ne sont guère favorables aux Polonais : « il n'y a rien à tirer de la Pologne qui sème le « désordre » ».

De plus, les Viennois, sous le charme des valses de Strauss, sont insensibles à la poésie du Sarmate. Il ne faut pas moins de sept mois passés à Vienne pour que Chopin puisse participer à un concert, sans rémunération (le 11 juin 1831). La critique loue ses qualités de virtuose, mais reste sceptique vis-à-vis de son Concerto pour piano et orchestre n^o 1 en mi mineur : « L'œuvre ne représentait rien de singulier, mais le jeu de l’artiste fut unanimement loué ».

La reconnaissance du public n'est pas au rendez-vous avec Chopin, « Mais il s'était attelé à une tâche immense qui lui tint lieu de succès public : c’étaient les Études op. 10, conçues pour la plupart à Vienne, et le début de celles de l?op. 25, chefs-d’œuvre d'un artiste de vingt et un ans ». Pour créer son propre univers sonore dans cette œuvre didactique, le musicien s'inspire de Bach pour les deux premières études et de Mozart pour l'Étude n^o 6.

Dégoûté et à court d'argent, Chopin quitte Vienne le 20 juillet 1831 pour tenter sa chance à Paris. L'ambassade russe à Vienne a d'abord refusé un passeport pour la France, puis en accorde un « pour Londres, via Paris ». Le voyage se fait par Salzbourg, Munich, où il donne un concert, et Stuttgart où il séjourne début septembre. C'est là que, le 8, il apprend la nouvelle de la chute de Varsovie, sans savoir ce qu'il advient de sa famille. Cette situation n'est pas sans influence sur l'artiste : « Le Journal, tenu alors par Chopin à Stuttgart, serait-il un commentaire verbal de l’Étude - n^o 10 - : « Ô Dieu, Tu es là ? - Tu es là et Tu ne Te venges pas ! - Pour Toi, il n'y a pas encore assez de crimes moscovites - ou bien - ou bien Tu es moscovite toi-même. » ».

Paris (1831 - 1838)

L'intégration

Arrivé à Paris en septembre 1831, Chopin s'installe dans le quartier bohème et artiste, au 27 du boulevard Poissonnière.

L'intégration politique

Le contexte politique parisien est favorable à la cause polonaise. De nombreux émigrés ont rejoint cette capitale et les plus importants forment une communauté que fréquente le musicien dans les salons de l'Hôtel Lambert, dans l'Île de la Cité ; il devient aussi membre de la Société littéraire polonaise et donnera même en 1835 un concert de bienfaisance au profit des réfugiés. Il n?est cependant pas vraiment militant et le tapage des manifestations le dérange : « Je ne puis te dire la désagréable impression que m?ont produite les voix horribles de ces émeutiers et de cette cohue mécontente ».

L'intégration sociale

Les Polonais le lancent dans la capitale ; le musicien donne des leçons de piano à la comtesse Potocka, et grâce à son aide et à celle de Valentin Radziwill, il devient le professeur de piano « élégant » de l'aristocratie polonaise en exil et des milieux parisiens les plus fermés. Dès mars 1832, il déménage dans la petite cité Bergère, plus calme et plus adaptée. Cette activité, à laquelle il consacre le quart de son existence, est bien rémunérée (il prend vingt francs-or de l'heure), et lui assure l'aisance matérielle. Elle lui ouvre aussi la porte du monde aristocratique, qui l'accueille comme un ami et où il se sent bien : « Je fais partie de la plus haute société, j'ai ma place marquée au milieu d'ambassadeurs, de princes, de ministre, [?] Et cependant c'est là aujourd'hui une condition presque indispensable de mon existence ; car c'est d'en haut que nous vient le bon goût ». En 1836, il déménage au 38, rue de la Chaussée d'Antin, « la vitrine du nouveau régime où l'aristocratie de l'argent remplaçait celle des titres ».

L'intégration artistique

Durant cette période qui suit la bataille d'Hernani, les romantiques sont actifs dans tous les domaines. Victor Hugo écrit Notre-Dame de Paris (1831), Le roi s'amuse (1832) et Balzac écrit ses œuvres majeures, tandis que Delacroix innove et traduit le romantisme en peinture. En musique, Berlioz est le chef de file des romantiques. Dans ce domaine, la première place est néanmoins tenue par l?art lyrique, avec pour vedette Rossini. Le piano est pratiqué par les plus grands virtuoses : Liszt et Kalkbrenner habitent la capitale. Avec d?autres brillants interprètes comme Hiller, Herz ou Pleyel, ils font de Paris la capitale du monde pianistique.

Chopin y est, dans un premier temps, un auditeur infatigable. Il découvre Le Barbier de Séville, l'italienne à Alger, Fra Diavolo ou encore Robert le Diable, qui le laisse bouleversé : « Je doute qu'on ait atteint jamais au théâtre, le degré de magnificence auquel est parvenu Robert le Diable ». Le musicien rencontre rapidement Kalkbrenner et son admiration n'a pas de mesure : « Tu ne saurais croire comme j'étais curieux de Herz, de Liszt, de Hiller, etc. Ce sont tous des zéros en comparaison de Kalkbrenner ». Cette rencontre lui permet de donner un premier concert le 26 février 1832. Il ne fait pas salle comble et le public est surtout formé par des Polonais, mais la critique n'est pas mauvaise. François-Joseph Fétis écrit dans la Revue Musicale : Son « Concerto a causé autant d'étonnement que de plaisir à son auditoire, [?] Trop de luxe dans les modulations, du désordre dans l'enchaînement des phrases? ». Il se produit de nouveau les 20 et 26 mai et la critique devient plus élogieuse : « Monsieur Chopin est un très jeune pianiste qui, à mon avis, deviendra très célèbre avec le temps, surtout comme compositeur ». Cette période est riche en concerts donnés par le musicien. Si, en 1833 le compositeur-pianiste est encore un soliste étranger dans la capitale, l'année 1834 est celle de la transition et lors de son concert du 25 décembre, il est devenu, pour la critique spécialisée, l'égal des plus grands.

Amitiés

Dans son livre Soixante ans de souvenirs, Ernest Legouvé indique : « Je ne puis mieux définir Chopin, en disant que c'était une trinité charmante. Il y avait entre sa personne, son jeu et ses ouvrages un tel accord? ». Chacune des composantes de cette trinité est un sésame qui ouvre au musicien la porte à des amitiés qu'il gardera parfois toute sa vie.

Depuis son plus jeune âge, le polonais fréquente l'aristocratie. Il a intériorisé ses règles, sa politesse et son savoir vivre : « le soin et la recherche de sa toilette faisaient comprendre l'élégance toute mondaine de certaines parties de ses œuvres ; il me faisait l'effet d'un fils naturel de Weber et d'une duchesse? ». L'amitié entre la comtesse Delphine Potocka, réputée très belle riche et protectrice, et le musicien est fondée sur un sentiment de respect et d'estime mutuel. Cette affinité entre le musicien et le milieu aristocratique favorise une expression de la dimension artistique de Chopin dans les salons : « Sans qu'on puisse étiqueter Chopin comme compositeur de salon [?], c'est pourtant le salon parisien dans ce qu'il a de meilleur sous Louis-Philippe qui représente par excellence le lieu et les milieux où il a rencontré la plus vive adhésion ». Comme bien d'autres, le marquis de Custine est sous le charme : « Je lui avais donné pour thème le Ranz des vaches et la Marseillaise. Vous dire le parti qu?il a tiré de cette épopée musicale, est impossible. On voyait le peuple de pasteurs fuir devant le peuple conquérant. C'était sublime ». La mondanité de Chopin est à l?origine d?un stéréotype : « le poète décadent des chloroses et des névroses » ou encore « l'incarnation du rubato, favori des jeunes filles de pensionnats », même si le public des salons n'est pas toujours victime de cette interprétation facile.

L’homme du monde est indissociable du virtuose. Le quasi autodidacte a développé dans son enfance une technique propre dont la concentration auditive et la décontraction musculaire sont les postulats. Cette virtuosité, si différente des puissantes interprétations d’un Liszt, subjugue l'univers pianistique parisien et en premier lieu Kalkbrenner. Liszt et Hiller tombent rapidement sous le charme : « Personne n'a jamais mû de la sorte les touches d’un piano ; personne n'a su en tirer les mêmes sonorités, nuancées à l'infini ». Ce touché unique est à l'origine d'une amitié profonde avec le virtuose fabriquant de pianos Camille Pleyel. Le virtuose précise : « Quand je suis mal disposé [?], je joue sur un piano d'Erard et j'y trouve facilement un son tout fait ; mais, quand je me sens en verve et assez fort pour trouver mon propre son à moi, il me faut un piano de Pleyel ». Pleyel ne se remettra jamais totalement de la mort de son ami.

Chopin est aussi un compositeur et « Liszt s’enthousiasma avant tout pour les œuvres de Chopin : mieux que quiconque, il comprit leur nouveauté et leur originalité, et devint aussitôt un de ses fervents admirateurs ». Durant cette époque, où la guerre entre les classiques et les romantiques est ouverte, Chopin est de plain-pied dans la modernité. Berlioz, qui comprend sa musique alors que Chopin ne comprend pas la sienne, se lie d'amitié avec le poète sarmate. Avec Liszt, Mendelssohn et Hiller, ces deux compositeurs forment la tête de pont du romantisme musical parisien. Ils se rencontrent fréquemment dans une ambiance informelle, comme le montre ce petit mot de Berlioz « Chopinetto mio, si fa una villegiatura da noi, a Montmartre rue St. Denis ; spero che Hiller, Liszt e de Vigny seront accompagnés de Chopin. Énorme bêtise, tant pis. HB ». D'autres artistes, de passage à Paris, se lient d'amitié avec le Sarmate. Schumann lui voue une admiration sans limite et « On sait que Bellini et Chopin, écrivait Schumann, étaient amis et que, se communiquant souvent leurs compositions, ils ne sont pas demeurés sans influence artistique l'un sur l'autre ». Les amitiés artistiques de Chopin dépassent le cadre de la musique. Delacroix devient l'un de ses plus proches amis en 1835 : « J’ai des tête-à-tête à perte de vue avec Chopin, que j’aime beaucoup, et qui est un homme d’une distinction rare : c’est le plus vrai artiste que j’aie rencontré. Il est de ceux, en petit nombre, qu’on peut admirer et estimer ». Balzac est aussi un admirateur : « Il trouva des thèmes sublimes sur lesquels il broda des caprices exécutés tantôt avec la douleur et la perfection raphaélesque de Chopin, tantôt avec la fougue et le grandiose dantesque de Liszt, les deux organisations musicales qui se rapprochent le plus de celle de Paganini. L'exécution, arrivée à ce degré de perfection, met en apparence l'exécutant à la hauteur du poète, il est au compositeur ce que l'acteur est à l'auteur, un divin traducteur des choses divines ».

Les fiançailles avec Maria Wodzi?ska

Cette période est marquée par un épisode sentimental, qui rappelle celui qu'il a vécu avec Constance Gladkowska, mais qui est, selon Boucourechliev, bien moins important que les amitiés nouées à cette époque.

Entre 1831 et 1835, Chopin, aux yeux de la loi française, est un Polonais résidant à Paris, avec un permis de séjour précisant qu'il a quitté la Pologne avant l'insurrection et qu'il est de père français. À partir de 1835, il obtient la nationalité française à part entière, et est déclaré de père et de mère française. À la différence des Polonais, il n'a plus besoin d'entrer en communication avec l'administration russe pour voyager ailleurs qu'en Pologne.

En août 1835, il se rend à Karlsbad où sa famille est venue en cure : « Notre joie est indescriptible ! Nous nous embrassons et nous nous embrassons. Que pourrait-on faire de mieux ? », écrit le compositeur. À la suite de ces retrouvailles polonaises, Chopin rejoint à Dresde la famille Wodzi?ski, dont les fils étaient ses camarades de jeux à la pension de ses parents. Le musicien tombe amoureux de leur jeune sœur de seize ans, Marie. « Elle n'était point une beauté » mais, malgré son jeune âge, elle a déjà séduit le poète Juliusz S?owacki, ainsi que le comte de Montigny. Au bout d'une semaine, Chopin quitte les Wodzi?ski et un amour inavoué et épistolaire, que Boucourechliev qualifie d?imaginaire, se développe. L’année suivante, Chopin retrouve la jeune fille à Marienbad. La veille de son départ, Chopin finit par demander sa main. Marie accepte, mais se soumet à la décision de sa mère ; celle-ci ne s'oppose pas catégoriquement, tout en exigeant le secret. Pour Boucourechliev, « le reste est hypocrisie épistolaire de la mère, acceptation passive de ses atermoiements par sa fille » : cela se termine par une rupture en mars 1837. Il conclut : « on ne peut s'empêcher de la comparer à une autre fille, sensiblement du même âge, qui vivait non loin, à Leipzig, et qui se sera battue de toutes ses forces pour s'unir à l?homme qu?elle aimait : Clara Wieck, bientôt l'épouse de Schumann ».

Cette période de son existence est finalement la plus sereine du maître polonais. Il apprécie une vie mondaine qui n'est pas sans conséquence sur son activité de compositeur. Marie ne lui inspire « rien qu'une petite valse, écrite à la va-vite en des temps plutôt heureux », celle en la bémol majeur op. 69. Pour le reste, il termine son cahier d'Études op. 25, quelques Nocturnes, la première Ballade, une vingtaine de Mazurkas, deux Polonaises et cinq Valses : un travail léger et brillant, coloré d'insouciance.

Paris (1838 - 1848)

La carrière musicale

Au cours de ces années, Chopin donne peu de concerts, mais a de nombreuses représentations pianistiques dans différents contextes.

Il convient tout d'abord de mentionner l'hommage rendu en avril 1839, à Marseille, au ténor Adolphe Nourrit, décédé le mois précédent en Italie. Lors de la messe de requiem célébrée pour le défunt, Chopin joue à l'orgue de Notre-Dame du Mont Les Astres, un lied de Franz Schubert.

Au mois d'octobre de la même année, le roi Louis-Philippe, curieux d’entendre le Polonais, l'invite avec le pianiste Ignaz Moscheles à Saint-Cloud. En présence du roi, de la reine Marie-Amélie, de madame Adélaïde et de la duchesse d'Orléans, épouse de Ferdinand-Philippe d'Orléans (1810-1842), le fils aîné du roi, Chopin joue avec Moscheles ses Études, ses Nocturnes et une sonate à quatre mains de Mozart. Plus qu'un succès, c'est un véritable triomphe.

Au printemps 1841, Chopin donne, de nouveau chez Pleyel, un concert magistral que Franz Liszt (avec qui il domine maintenant le Paris pianistique de l'époque) commente le lendemain dans la Gazette musicale. Occupé par d'autres activités et n’appréciant pas, contrairement à Liszt, de jouer en public, il ne donnera pas de concerts dans les années suivantes. Il préfère jouer pour ses amis au cours des nombreuses soirées passées à son appartement de la rue Pigalle. Parmi les invités et musiciens de ces concerts privés, se trouvent Sainte-Beuve, Mickiewicz, Marie Poznanska, Delacroix, Berlioz, ainsi que nombre d'exilés polonais. Des témoignages sur ces concerts privés, joués à la faible lueur de bougies dans le coin sombre du petit salon, sont parvenus jusqu'à nous : « Ses regards s’animaient d'un éclat fébrile, ses lèvres s'empourpraient d'un rouge sanglant, son souffle devenait plus court. Il sentait, nous sentions que quelque chose de sa vie s'écoulait avec les sons ».

Son ultime concert à Paris, un immense succès malgré son état d'affaiblissement, a lieu le 16 février 1848 ; d'après les nombreux commentaires de ce moment historique, il s'agit d'un instant fabuleux.

La relation avec George Sand

De 1836 à 1847, il est le compagnon de l'écrivain George Sand (pseudonyme d'Aurore Dupin, baronne Dudevant). Ils mènent ensemble une vie mondaine, nourris d'une admiration réciproque.

En novembre 1838, ils partent séjourner à Majorque avec les deux enfants de George Sand, Solange et Maurice. Après un début de séjour très agréable dans une villa, Frédéric est atteint d'une bronchite à l'arrivée de l'hiver et les médecins s'aperçoivent qu'il est tuberculeux ; ils doivent quitter la villa et se réfugient dans de mauvaises conditions au monastère de Valldemossa ; il y compose, entre autres, son cycle des 24 Préludes, op. 28 et sa 2^e Ballade, mais sa santé se dégrade considérablement malgré les soins et le dévouement de Sand. Ils rentrent en France avant la date prévue à l'origine et séjournent un moment à Marseille, au moment où le corps d'Adolphe Nourrit y arrive de Naples (cf. supra, concert d'avril 1839). Il retrouve une meilleure santé ; en mai, ils vont passer quelques jours à Gênes, puis rentrent à Nohant (Indre), où se trouve la résidence de campagne de George Sand, non loin de La Châtre

De 1839 à 1846, ils séjournent souvent à Nohant. C'est une période heureuse pour Chopin qui y compose quelques-unes de ses plus belles œuvres : la Polonaise héroïque, op. 53, la 4^e Ballade, la Barcarolle, op. 60, les dernières Valses?

Mais, au mois de juillet 1847, le couple qui, depuis un certain temps, ne connaissait plus la passion des débuts, se sépare définitivement, Chopin ayant pris le parti de Solange dans un conflit familial au sujet de son mariage avec le sculpteur Auguste Clésinger. Il ne reverra George Sand qu'une seule fois, par hasard, en avril 1848, mais restera jusqu'à la fin de sa vie très proche de Solange et de son mari.

L'affaiblissement de l'homme

À partir de 1842, Chopin, dont l'état de santé va en s'aggravant, subit coup sur coup trois chocs importants. Au printemps 1842, Jan Matuszy?ski, son ami d'enfance, décède des suites de la tuberculose. Puis c'est l'annonce de la mort de Wojciech ?ywny, son premier professeur de musique, resté un ami de ses parents ; c'est enfin, au mois de mai 1844, son père qui s'éteint à Varsovie. Avant de mourir, il a demandé avec insistance à ses proches de faire ouvrir son corps avant de l'inhumer, de peur de subir le sort de ceux qui se réveillent dans leur tombe. Cette préoccupation hantera également Chopin à la fin de sa vie.

La dépression de Chopin à cette époque est inquiétante ; il écrit pourtant aux siens pour essayer de les rassurer : « J'ai déjà survécu à tant de gens plus jeunes et plus forts que moi qu'il me semble être éternel? Ne vous inquiétez jamais de moi : Dieu étend sur moi sa grâce ».

Les hivers qui suivent sont de plus en plus difficiles à supporter. Les écrits de George Sand montrent que Chopin décline de façon évidente? Entre la grippe qui l'abat pendant l'hiver 1845 et le printemps 1846, et la phtisie qui progresse, le musicien est de plus en plus affaibli.

Les deux dernières années

Après la rupture douloureuse avec George Sand en 1847, son état de santé se dégrade rapidement. Il fait tout de même une dernière tournée de sept mois en Angleterre et en Écosse, organisée par son élève Jane Stirling. Ce voyage est pour lui épuisant physiquement et moralement.

Chopin arrive à Londres le 20 avril 1848 ; la forte pollution par le charbon de cette ville n'est pas favorable à son état de santé. Il a malgré tout la joie de rencontrer Charles Dickens et peut jouer pour des aristocrates anglais, notamment chez lord Falmouth le 7 juillet, et même devant la reine Victoria, ce qui lui apporte une grande renommée outre-Manche.

Malheureusement, ce voyage et ces représentations à répétition le fatiguent énormément. Il se sent oppressé par la foule et les applaudissements : « Elles finiront par m'étouffer par leur gentillesse et moi, par gentillesse, je les laisserai faire ».

Il rentre à Paris gravement malade et dans une situation financière exécrable, sa maladie entraînant de nombreux frais. Malgré son état de santé, il continue à donner des leçons, le plus souvent allongé sur le sofa près du piano, et à passer du temps avec ses amis, notamment Delacroix. Lorsqu'il entre dans la dernière phase de la tuberculose, à la suite d'une grave hémoptysie qui l'a terrassé fin juin 1849, sa sœur aînée Ludwika accourt auprès de lui pour le soutenir dans ces moments difficiles.

Chopin meurt quelques semaines plus tard, le 17 octobre 1849, au 12 place Vendôme, à l'âge de 39 ans. Il est enterré au cimetière du Père-Lachaise, après une cérémonie à la Madeleine, aux sons de sa célèbre marche funèbre. Sa tombe est ornée d'une statue d'Auguste Clésinger, mari de Solange Dudevant, fille de George Sand. Conformément à ses dernières volontés, Ludwika ramène à Varsovie son cœur qui se trouve actuellement dans un cénotaphe encastré dans un pilier de l'église Sainte-Croix. Il reproduit ainsi la tradition capétienne de la bipartition du corps (dilaceratio corporis, « division du corps » entre cœur et ossements) et de la double sépulture.

Liszt : « Chopin a passé parmi nous comme un fantôme ».

Portrait : l’homme

Un homme à la santé fragile

Chopin ne connut jamais la pleine santé. De nature valétudinaire, son état général était en permanence altéré et la fin de sa vie ne fut qu’une descente progressive vers la mort, les hivers se faisant sentir de plus en plus et chaque petite maladie l'affectant davantage. La médecine étant ce qu'elle était à cette époque, de nombreuses méthodes de guérison avaient été essayées par le musicien. Ainsi, nous savons qu'il absorbait quelques gouttes d’opium dans un verre d’eau et frictionnait ses tempes avec de l’eau de Cologne dès que son état risquait de s'aggraver.

En 1844, pour le faire sortir de la dépression qu?il manifestait à la suite du décès de son père qui avait suivi celui de son ami d'enfance Matuszynski, George Sand décida d’inviter en France la sœur aînée de Chopin, Ludwika J?drzejewicz, qui fit le voyage avec son mari. George Sand écrivit donc à Ludwika pour l’avertir de l’état de santé fragile de son frère : « Vous allez trouver mon cher enfant bien chétif et bien changé depuis le temps que vous ne l’avez vu, mais ne soyez pourtant pas trop effrayés de sa santé. Elle se maintient sans altération générale depuis six ans que je le vois tous les jours. Une quinte de toux assez forte, tous les matins ; deux ou trois crises considérables et durant chacune deux ou trois jours seulement, tous les hivers ; quelques souffrances névralgiques, de temps à autre, voilà son état régulier? ». Chaque hiver est une épreuve pour le musicien. Chopin, écrivant à sa famille en automne 1846, l’expose : « L’hiver ne s’annonce pas mauvais, et en me soignant quelque peu il passera comme le précédent, et grâce à Dieu pas plus mal. Combien de personnes vont plus mal que moi ! Il est vrai que beaucoup vont mieux, mais à celles-là je ne pense pas ».

Les qualificatifs que George Sand utilise dans ses écrits pour désigner Chopin sont révélateurs à la fois de l’état de santé du musicien, mais aussi de la dégradation de la relation entre les deux artistes : « Mon cher malade » puis « mon petit souffreteux » jusqu’à « mon cher cadavre ». À eux seuls, les soucis affichés, dans une lettre de George Sand au comte Grzymala le 12 mai 1847, sur le caractère « transportable ou non » de Chopin au moment du mariage de Solange, témoignent de son état de santé très dégradé dans les dernières années de sa vie.

En juin 2008, des scientifiques polonais de renom, dont le professeur Wojciech Cichy, spécialiste de la mucoviscidose, ont émis l'hypothèse qu'il ait pu mourir de cette maladie. À l'appui de leur thèse, l'état de faiblesse depuis son enfance, avec des infections pulmonaires et des toux, une maigreur à l'âge adulte et un décès avant la quarantaine, comme la plupart des personnes atteintes de mucoviscidose. De plus, à notre connaissance, malgré des relations féminines durables, il n'eut pas d'enfant, donc une possible stérilité, autre symptôme de cette maladie. Ces scientifiques souhaitent pouvoir faire une analyse ADN du cœur de Chopin conservé dans du cognac dans une urne de cristal, dans l'église Sainte-Croix de Varsovie.

Des amours difficiles

Chopin écrivait à Fontana quelques mois avant de mourir : « Le seul malheur consiste en ceci : que nous sortons de l’atelier d’un maître célèbre, quelque stradivarius sui generis, qui n’est plus là pour nous raccommoder. Des mains habiles ne savent pas tirer de nous des sons nouveaux, et nous refoulons au fond de nous-mêmes ce que personne ne sait tirer, faute d’un luthier ». »

La relation avec George Sand

La rencontre

Les deux artistes se rencontrèrent pour la première fois à la demande de George Sand, dans le courant de l’été 1836, à l’hôtel de France de la rue Laffitte. De ce premier contact, Chopin dit le soir même à son ami Hiller : « Quelle femme antipathique que cette Sand ! Est-ce vraiment bien une femme ? Je suis prêt à en douter ». » Par la suite, Chopin et San]]> Sun, 21 Sep 2014 12:54:00 +0000 https://www.testdoudou.radio-website.com/artistes/louis-armstrong-18 https://www.testdoudou.radio-website.com/artistes/louis-armstrong-18 Louis Daniel Armstrong (prononcé « Louis » à la française), né le 4 août 1901 à La Nouvelle-Orléans en Louisiane et mort le 6 juillet 1971 à New York, également connu sous les surnoms de Satchmo (pour satchel-mouth, littéralement bouche-sacoche) ou Pops, est un musicien américain de jazz. D'une musique de folklore afro-américaine enracinée dans le gospel et le blues traditionnel et enfermée dans un terroir, Armstrong a fait un courant musical national et populaire à vocation universelle. Son talent de trompettiste, son charisme, ses qualités de show-man et sa personnalité généreuse ont forgé au fil du temps sa renommée internationale. Il a créé un nouveau style vocal, le scat, ce qui a fait de lui l'un des chanteurs de jazz les plus influents de son époque. Durant plus de quarante ans, de tournées en tournées, Louis Armstrong restera le meilleur ambassadeur du jazz à travers le monde entier.

Biographie

Enfance

Né le 4 août 1901 dans une famille pauvre de La Nouvelle-Orléans, Louis, suite à l'absence de son père William Armstrong qui a quitté le foyer familial, est élevé par sa mère et sa grand-mère Joséphine. Enfant, il chante dans les rues de La Nouvelle-Orléans dans un petit groupe vocal. En grandissant dans un quartier difficile, il est plusieurs fois renvoyé, en raison d’actes de délinquance, dans un foyer pour enfants de couleur abandonnés : le Home for Coloured Waifs. Il y fait notamment un long séjour (selon les fichiers de la police) après avoir tiré un coup de feu en l’air avec un pistolet pour fêter la nouvelle année.

Il apprend à jouer du cornet à pistons dans l’orchestre de ce centre, grâce à son premier instrument offert par les Karnofsky, une famille juive d’origine russe qui s'était prise d'affection pour cet enfant. Une fois libéré, il joue du cornet dans les cabarets du quartier chaud de Storyville. Il rencontre King Oliver qui lui donne quelques conseils, joue peu de temps dans l'orchestre du tromboniste Kid Ory sur le riverboat (en) Capitol où il remplace King Oliver. Il assiste fréquemment aux parades des brass bands et écoute les vieux musiciens dès qu’il en a l’occasion, apprenant de Bunk Johnson, Buddy Petit (en) et par-dessus tout Joe « King » Oliver. Il joue plus tard dans les brass bands et avec l'orchestre réputé de Fate Marable (en) sur les bateaux à vapeur qui remontent le Mississippi

Débuts de carrière

En 1922, Louis, après la fermeture de Storyville en 1917, accompagne le mouvement général d'exode pour Chicago, où il est engagé comme second trompettiste par Joe « King » Oliver dans son Creole Jazz Band. Chicago dès lors devient la Mecque du style New-Orleans. Dans ce contexte bouillonnant, il enregistre ses premiers disques. Il travaille un temps avec le batteur et chef d'orchestre Ollie Powers avant d'être engagé l'année suivante dans l'un des big bands phares de New York celui de Fletcher Henderson.

Il épouse la pianiste Lil Hardin et se fait l'accompagnateur attitré de quelques grandes chanteuses de blues comme Bessie Smith, Ma Rainey puis enregistre quelques faces avec le pianiste Clarence Williams avant d'intégrer la formation de sa femme, les Dreamland Syncopators. Il retourne à Chicago et pour la firme Okey enregistre le 12 novembre 1925 la toute première séance du Hot Five en compagnie de Lil Hardin au piano, Johnny Dodds à la clarinette, Baby Dodds (en) à la batterie et Kid Ory au trombone.

Il joue dans l'orchestre d'Erskine Tate (en), le Vendome Orchestra, joue à l'occasion avec Clarence Jones et Carroll Dickerson (en) avant de former le Hot Seven, gravant dans la cire, jusqu'en décembre 1928, quelques-uns des grands classiques du jazz comme Potato Head Blues (en), Muggles (recording) (en), Fireworks, et surtout deux chefs-d'œuvre, West End Blues (en) (28 juin 1928) et Tight Like This (12 décembre 1928) chez la firme Okey, remarquables par la dimension révolutionnaire du jeu de Louis à la trompette. L’introduction virtuose du trompettiste dans West End Blues demeure l'une des plus célèbres de l’histoire du jazz et reste un modèle pour les générations suivantes d'instrumentistes, dont beaucoup l'apprendront par cœur et pourront la jouer à la note près.

Armstrong repart pour New York en 1929, puis Los Angeles en 1930, et effectue une tournée à travers l’Europe. En 1935, il se rompt l'orbicularis oris, un muscle labial, et il est contraint de mettre sa carrière de trompettiste entre parenthèses pendant un an. Les lèvres meurtries, il ne retrouvera jamais sa virtuosité. Après avoir passé de nombreuses années sur la route, il s'installe de façon permanente dans le Queens (New York) en 1943. Bien que soumis aux vicissitudes de Tin Pan Alley et au fait que la production musicale de l’époque est dirigée par des gangsters, il continue à développer ses qualités de musicien.

Pendant les trente années qui suivent, Louis Armstrong joue en moyenne plus de 300 concerts par an. Au cours des années 1940, les réservations pour les orchestres diminuent progressivement à cause des changements de goût du public : les salles de bal ferment, et la concurrence de la télévision et des autres genres de musique qui sont devenues plus populaires que la musique d’orchestre se font de plus en plus fortes. Il devient impossible de soutenir et de financer un orchestre de tournée de 16 musiciens.

The All Stars

Vers 1950, Louis Armstrong réduit son groupe à six membres, revenant donc au style Dixieland qui l'a rendu célèbre à ses débuts. Ce groupe est appelé « the Pom pom boys », et des musiciens tels que Barney Bigard, Jack Teagarden, Trummy Young, Arvell Shaw (en), Marty Napoleon (en), Big Sid Catlett ou Barrett Deems (en) y jouent. À cette époque, il enregistre beaucoup et apparaît dans plus de trente films. En 1964, il enregistre son titre le plus célèbre et le plus vendu : Hello, Dolly.

Louis Armstrong continue ses tournées à un rythme effréné et ne s’arrête que quelques années avant sa mort. Dans ses dernières années, il joue parfois l’un de ses nombreux concerts par cœur, mais d’autres fois, il électrise le concert le plus mondain de son jeu vigoureux, souvent à l’étonnement de son groupe. Il connaît également des tournées à succès en Afrique, en Europe et en Asie avec le soutien du Département d'État américain et est bientôt surnommé « Ambassador Satch ». En dépit d’une santé plus fragile durant les dernières années de sa vie, il continue à jouer jusqu'à sa mort.

Personnalité

Les surnoms Satchmo ou Satch proviennent de Satchelmouth (littéralement « bouche-sacoche », qui décrit son embouchure). En 1932, Percy Brooks, alors rédacteur au magazine Melody Maker, accueille Louis Armstrong à Londres par un "Bonjour Satchmo", raccourcissant Satchelmouth (certains diront que c'était involontaire). Ce surnom lui restera. Plus tôt, il a aussi été connu sous le surnom de Dippermouth (Bouche plongeante). Ces termes font référence à la manière dont il tenait sa trompette lorsqu'il jouait. Elle était placée sur ses lèvres de telle façon que, lorsqu'il jouait de longues heures, la trompette laissait une empreinte sur sa lèvre supérieure, d'où le terme "Dippermouth". Cette marque est effectivement visible sur de nombreuses photographies de Louis Armstrong de cette période. Ces problèmes de lèvres l'amèneront à développer plutôt son côté chanteur, lors des concerts et dans les enregistrements, étant donné qu'au-delà d'une certaine durée, il ne lui est plus possible de continuer à jouer de son instrument. Toutefois, après avoir mis sa trompette de côté durant un temps, il modifiera son style de jeu et pourra poursuivre sa carrière de trompettiste, sans cependant se risquer aux prouesses techniques qu'il réalisait à ses débuts. Ses amis et les musiciens dont il est proche l'appellent habituellement Pops, terme qu'Armstrong utilise aussi en général pour s'adresser à ses amis et aux musiciens qu'il côtoie (à l'exception de Pop Foster, qu'Armstrong appelle toujours "George").

Le surnom "Satchmo" et la chaleureuse personnalité de Louis Armstrong, combinés à son amour naturel du spectacle et du dialogue avec le public, en font une personnalité publique ? la grimace, la sueur et le mouchoir ? qui finit par sembler une sorte de caricature raciste, vers la fin de sa carrière.^{[réf. nécessaire]}

Il est aussi critiqué pour avoir accepté le titre de "Roi des Zulus" pour le Mardi Gras en 1949. C'est un rôle honoré par la communauté afro-américaine de La Nouvelle-Orléans en tant que président du carnaval Krewe (en), mais qui peut être perçu comme ahurissant ou offensant pour les étrangers... cela, à cause du costume traditionnel constitué de jupes d'herbe tressée et du maquillage noir sur le visage, satirisant les attitudes des sudistes blancs.

Cette apparente insensibilité d'Armstrong au problème racial constituée par son apparition en roi des Zulus a parfois été perçue comme un exemple d'un plus large échec de la part du musicien. Alors que certains ont vu en lui une personnalité chaleureuse et conviviale, d'autres lui ont reproché de trop vouloir plaire au public blanc et d'être une caricature de troubadour. Certains musiciens critiquent Armstrong parce qu'il joue face à des publics ségrégués, et parce qu'il ne prenait pas assez parti pour le Mouvement des droits civiques, ce qui a pu suggérer qu'il était un Oncle Tom. Billie Holiday a cependant rétorqué à cela : « Bien sûr, Pops est un tom, mais c'est un tom qui a du cœur. »^{[réf. nécessaire]}

Armstrong a en fait été l'un des principaux soutiens financiers de Martin Luther King Jr. et d'autres activistes pour les droits civiques, mais il préférait aider discrètement ce mouvement, et ne pas mêler ses opinions politiques à son métier de musicien. Le peu d'exceptions qu'il fit furent d'autant plus efficaces lorsqu'il parlait ; la critique qu'il fit d'Eisenhower, Président des États-Unis d'Amérique en le qualifiant de « double face » et de « mou » lors du conflit sur la discrimination au sein de l'école à Little Rock, Arkansas en 1957 fit la une nationale. En signe de protestation, Armstrong annula une tournée organisée en Union soviétique au nom du département d'État, en disant « Étant donné la façon dont ils traitent mon peuple dans le Sud, le gouvernement peut aller se faire voir » et qu'il ne pouvait pas représenter son gouvernement à l'étranger alors que ce même gouvernement était en conflit avec son propre peuple.

C'était un homme extrêmement généreux dont on disait qu'il avait donné autant d'argent qu'il en avait gardé pour lui-même. Louis Armstrong adopta le fils de sa cousine Flora disparue peu après sa naissance. Il n'a cessé de prendre soin de Clarence Armstrong, handicapé mental, à qui il a assuré une rente à vie.

Musique

À ses débuts, Louis Armstrong était surtout connu pour sa virtuosité au cornet à pistons et à la trompette. La meilleure interprétation de trompette de ses premières années peut être entendue sur ses disques Hot Five et Hot Seven. Les improvisations qu’il avait faites sur ces disques de jazz Nouvelle-Orléans et de chansons populaires de l’époque, surclassent celles des interprètes de jazz qui lui ont succédé. La précédente génération de musiciens de jazz Nouvelle-Orléans faisait souvent allusion à leurs improvisations comme étant « variant la mélodie » ; les improvisations de Louis Armstrong étaient audacieuses et complexes, avec des touches subtiles et mélodiques. Souvent, il réécrivait les fondements des airs pop qu’il jouait, les rendant ainsi plus intéressants. Sa technique d’interprétation est remplie de mélodies innovantes, joyeuses et inspirées, de bonds créatifs et de rythmes subtilement relâchés ou forts. Le génie de ces morceaux allait de pair avec sa technique musicale, affinée par une pratique continue. Ceci augmenta les tons, la tessiture et d’une manière générale les possibilités offertes par la trompette. Dans ces disques, Louis Armstrong créa quasiment à lui seul le rôle de soliste de jazz, transformant ce qui était à l’origine une musique folklorique collective et en une forme d’art avec des possibilités sensationnelles d’expression individuelle.

Les travaux de Louis Armstrong dans les années 1920 le poussèrent à jouer aux limites extrêmes de ses capacités. Particulièrement, les morceaux du disque Hot 5 comportent souvent des fautes mineures et des notes ratées, qui néanmoins diminuent peu le plaisir de l’écoute puisque l’énergie de la prestation spontanée est transmise. Dans la moitié des années 1930, il atteint une assurance calme, sachant exactement ce qu’il voulait faire et exécutant ses idées à la perfection.

Au fur et à mesure que sa musique progressait et gagnait en popularité, ses chansons aussi devenaient importantes. Armstrong n’était pas le premier à enregistrer du chant scat, mais il était magistral en cela et aida à le populariser. Il eut du succès avec son interprétation et son chant scat sur Heebie Jeebies (en), et criait « I done forgot the words » au milieu de son enregistrement « I'm A Ding Dong Daddy From Dumas ». De tels disques furent des succès et le chant scat devint une partie essentielle de ses représentations. Longtemps avant cela, néanmoins, Armstrong s’amusait avec ses chants, raccourcissant et rallongeant des phrases, plaçant des improvisations, utilisant sa voix d’une manière aussi créative que sa trompette.

Durant sa longue carrière, il joua et chanta avec les plus importants instrumentistes et chanteurs, parmi lesquels, le singing brakeman Jimmie Rodgers, Bing Crosby, Duke Ellington, Fats Waller, Fletcher Henderson, Bessie Smith, mais aussi Ella Fitzgerald. Son influence sur Bing Crosby est particulièrement importante étant donné le développement ultérieur de la musique populaire : Crosby admirait et copiait Armstrong, comme on peut le constater sur beaucoup de ses premiers enregistrements, notamment « Just One More Chance » (1931). Le « New Grove Dictionary Of Jazz » décrit la dette de Crosby à Armstrong en détail, bien qu’il ne désigne pas explicitement Armstrong par son nom : « Crosby (?) était important en introduisant, dans le courant du chant populaire, un concept afro-américain de chant comme une extension lyrique de la parole, de l’élocution (?) Ses techniques - relâchant le poids de son souffle sur les cordes vocales, passant en de voix de tête dans un registre grave, en mettant en avant la production pour aider une prononciation marquée, chantant sur les consonnes (une habitude chez les chanteurs noirs), et employant une discrète utilisation des appoggiatures, des mordants et des liaisons pour accentuer le texte - ont été imitées par presque tous les chanteurs populaires ultérieurs ». Armstrong enregistra trois albums avec Ella Fitzgerald: « Ella and Louis », « Ella and Louis Again », et « Porgy and Bess » pour « Verve Records ». Ses enregistrements « Satch Plays Fats », toutes les mélodies de « Fats Waller », et « Louis Armstrong Plays W.C. Handy » dans les années 1950 étaient peut-être les dernières de ses grands enregistrements créatifs, mais même les étrangetés comme « Disney Songs the Satchmo Way » ont leurs moments musicaux. Sa production tardive a été fortement critiquée comme étant trop simpliste ou répétitive.

Armstrong eut beaucoup de morceaux à succès, notamment Stardust, What a Wonderful World, When the Saints Go Marching In, Dream a Little Dream of Me, Ain't Misbehavin', et Stompin' at the Savoy. We Have All the Time in the World figurait sur la bande sonore du film James Bond Au service secret de Sa Majesté, et bénéficia d'une popularité renouvelée au Royaume-Uni en 1994 quand il figura sur une pub pour Guinness, atteignit la 3^e place dans les hit-parades des rééditions.

En 1964, Armstrong fit chuter les Beatles du top du hit-parade « Billboard Hot 100 » avec Hello, Dolly, qui donna à l’interprète âgé de 63 ans le record aux États-Unis d'Amérique du plus vieil artiste à avoir un titre au top du classement. En 1968, Armstrong marqua un dernier succès populaire au Royaume-Uni avec la chanson pop très sentimentale What a Wonderful World, qui fut premier des hits-parades britanniques pendant un mois ; néanmoins, le single ne fut pas du tout un succès en Amérique. La chanson eut un grand succès dans la conscience populaire quand elle fut utilisée en 1987 dans le film Good Morning, Vietnam, sa réédition s'élevant au sommet des hit-parades dans de nombreux pays.

Armstrong appréciait beaucoup de styles différents de musique, du blues le plus direct aux doux arrangements sirupeux de Guy Lombardo, aux chansons folkloriques latino-américaines, aux symphonies classiques et l’opéra. Armstrong incorpora les influences de toutes ces sources dans ses représentations, rendant parfois perplexes ses fans qui auraient préféré qu’Armstrong reste dans un style plus conformiste. Cependant, il n'appréciait pas véritablement le mouvement bop et ses successeurs. Armstrong fait partie du « Rock and Roll Hall of Fame » en tant qu'influence majeure.

Timbre de voix

Au niveau du larynx, les cordes vocales sont surplombées par des bandes ventriculaires au nombre de deux, appelées également « fausses cordes vocales ». Chez l'être humain, leur rôle n'a qu'un intérêt phonatoire restreint. La voix si particulière de Louis Armstrong était due à un œdème et à une hypertrophie de ses fausses cordes vocales. Jouer de la trompette était une action aggravante.

Discographie sélective

• The Best of the Hot 5 and 7 recordings, Columbia, 1925-1927
• The Quintessence, Frémeaux & Associés/Night & Day 1925/1940
• Ella and Louis, Verve, 1957
• Louis and the Good Book, MCA, 1958
• Louis Armstrong & Ella Fitzgerald, Porgy and Bess, Verve, 1958
• Louis Armstrong & Duke Ellington, The Complete Sessions, 1961
• What a wonderful world
• Go down moses, 1996

Filmographie

(dans son propre rôle)

• 1937 : Artistes et Modèles (Artists & Models), de Raoul Walsh
• 1937 : Fifi peau de pêche (Every Day's a Holiday ), d'A. Edward Sutherland
• 1953 : Romance inachevée (The Glenn Miller Story), d'Anthony Mann
• 1953 : La Route du bonheur (film franco-italien), de Maurice Labro
• 1956 : Haute Société (High Society), de Charles Walters
• 1957 : Satchmo the Great (Satchmo the Great), d'Edward R. Murrow
• 1959 : Millionnaire de cinq sous (The Five Pennies), de Melville Shavelson
• 1961 : Paris Blues (Paris Blues), de Martin Ritt
• 1969 : Hello, Dolly ! (Hello, Dolly !), de Gene Kelly
• 1969 : L'Aventure du jazz (L'Aventure du jazz), de Louis Panassié

(Voix)

Mort et héritage

Louis Armstrong meurt d’une crise cardiaque le 6 juillet 1971, à l’âge de 69 ans, onze mois après son célèbre show à l’Empire Room du Waldorf Astoria. Il est enterré au cimetière de Flushing à New York, près de sa dernière demeure à Corona, dans le Queens (New York).

L'influence d'Armstrong sur le développement du jazz est sans commune mesure. Son charisme, en tant que divertisseur et personnalité publique, était si fort vers la fin de sa carrière, qu'il éclipsait parfois ses contributions en tant que musicien ou chanteur.

Armstrong était un virtuose de la trompette, avec un son unique et un talent extraordinaire pour l'improvisation. C'est avec son jeu que la trompette est apparue en tant qu'instrument soliste de jazz. Il était également un accompagnateur et un musicien d'ensemble magistral en plus de ses talents extraordinaires de soliste. Avec ses innovations, il a élevé musicalement la barre plus haut pour tous ceux qui viendraient après lui.

Armstrong peut être considéré comme l'inventeur du jazz chanté. Il jouait de sa voix râpeuse si reconnaissable avec une grande maîtrise dans l'improvisation, liant les paroles et la mélodie des chansons de manière particulièrement expressive. Il était également très doué pour le scat, dont il s'est servi pendant l'enregistrement de "Heebie Jeebies" lorsque ses partitions tombèrent au sol et qu'il entonna alors un chant composé d'onomatopées (comme on avait coutume de le faire à La Nouvelle-Orléans). Si, contrairement à l'idée reçue, il n'a pas inventé le scat, il fut en revanche le premier à inclure une improvision scat dans un titre. Billie Holiday et Frank Sinatra reprirent ensuite ce principe.

Armstrong fit de la figuration dans plus d'une douzaine de films hollywoodiens mineurs, jouant généralement un chef d'orchestre de jazz ou un musicien. Il fut le premier Afro-Américain à organiser une émission de radio à portée nationale dans les années trente. Il a également fait des apparitions télévisées, particulièrement dans les années cinquante et soixante, et notamment dans The Tonight Show Starring Johnny Carson. Louis Armstrong a une étoile à son nom sur le Walk of Fame d'Hollywood, au 7601 Hollywood Boulevard.

De nombreux enregistrements d'Armstrong continuent à être populaires. Plus de trois décennies après sa mort, de très nombreux enregistrements datant des différentes périodes de sa carrière sont maintenant plus facilement accessibles que lorsqu'il était en vie. Ses chansons sont diffusées et écoutées tous les jours dans le monde entier et sont mises à l'honneur dans des films, des séries télévisées, des publicités et même des dessins animés ou des jeux vidéo (Fallout 2, notamment, a « A Kiss to Build a Dream on » pour musique d'introduction). Son enregistrement de 1923 avec Joe Oliver et son Creole Jazz Band continue à être écouté comme une référence en matière d'ensembles de jazz Nouvelle-Orléans. Très souvent, néanmoins, Armstrong enregistra avec des orchestres standards et guindés, où seul son sublime jeu de trompette était intéressant. « Melancholy Blues », joué par Armstrong et les Hot Seven, fait partie des enregistrements sonores embarqués à bord des sondes Voyager envoyées dans l'espace.

Armstrong prit des dispositions pour qu'après sa mort et celle de sa femme Lucille, une fondation pour l'éducation musicale des enfants défavorisés soit créée, et pour que sa maison et des archives substantielles d'écrits, de livres, d'enregistrements et de souvenirs soient léguées au Queens College de la City University of New York. Les archives Louis Armstrong sont accessibles aux chercheurs en musicologie, et sa maison, transformée en musée, a ouvert ses portes au public le 15 octobre 2003.

L'écrivain argentin Julio Cortázar, se décrivant lui-même comme un admirateur d'Armstrong, affirme qu'en 1952, le concert de Louis Armstrong au théâtre des Champs-Élysées à Paris l'a inspiré pour imaginer des créatures appelées Cronopios, sujets de nombre de ses histoires courtes. Cortázar qualifia un jour Louis Armstrong de Grandísimo Cronopio (plus grand Cronopio).

Le principal aéroport de La Nouvelle-Orléans s'appelle le Louis Armstrong New Orleans International Airport.

Hommages

Miles Davis rendit un hommage pour le moins éloquent à l'intention d'Armstrong dans cette célèbre phrase : "Dès qu'on souffle dans un instrument, on sait qu'on ne pourra rien en sortir que Louis n'ait déjà fait".

Certaines sources ont affirmé à tort que le dessinateur Al Taliaferro avait baptisé un des neveux de Donald Duck, Riri, Fifi et Loulou (Huey, Dewey and Louie en version originale) d'après Louis Louie Armstrong, ce qui est aujourd'hui démenti.

Le chanteur John Scatman lui rend hommage dans sa chanson "Everybody Jam".

Claude Nougaro lui rend hommage dans sa chanson Armstrong, qui reprend la mélodie de Go Down Moses.

Le musicien Irakli est le plus grand spécialiste français d'Armstrong, il lui rend hommage depuis plus de 30 ans.

Notes

Sources

• (fr) Louis Armstrong, Ma vie à La Nouvelle-Orléans, éd. Coda, Paris, 2006 (ISBN 284967026X)
• (fr) Michel Boujut, Pour Armstrong, éd. Filipacchi, Paris, 1976
• (fr) Robert Goffin, Louis Armstrong, le roi du jazz, édition Pierre Seghers, Paris, 1947
• (en) Louis Armstrong et Thomas Brothers, Louis Armstrong, in His Own Words: Selected Writings, Oxford University Press, Oxford, 2001 (ISBN 019514046X)
• (en) Laurence Bergreen, Louis Armstrong: An Extravagant Life, éd. HarperCollins, New York, 1998 (ISBN 0553067680)
• (en) Michael Cogswell, Armstrong: The Offstage Story of Satchmo, Collectors Press, Portland, 2003 (ISBN 1888054816)
• (en) Michael Meckna, Satchmo: The Louis Armstrong Encyclopedia, Greenwood Press, Westport, 2003 (ISBN 0313301379)
• (en) Terry Teachout, Pops: A Life of Louis Armstrong, Houghton Mifflin Hacourt, New York, 2009 (ISBN 978-0-15-101089-9)

Liens externes

• Notices d’autorité : Fichier d’autorité international virtuel ? Bibliothèque nationale de France ? Bibliothèque du Congrès ? Gemeinsame Normdatei ? WorldCat

• (fr) Portrait dans Jazz-Magazine
• (en) Citations et commentaires sur Louis Armstrong
• (en) Discographie intégrale
• (en) Satchmo.net, site officiel de la maison de Louis Armstrong
• (fr) Spéciale Louis Armstrong avec Irakli de Davrichewy

Son premier spectacle « Rémi va du coq à l’âne » est très rapidement remarqué et sélectionné par les « Jeunesses Musicales de France » ; à la clef, 3 ans de tournées et plus de 500 représentations.
À ce moment de sa jeune carrière, la rencontre avec René-Louis Martin – qui dirige la revue professionnelle La classe maternelle – marque un tournant. Rémi lui propose des fiches pédagogiques « Comptines », accompagnées de photos explicatives de la gestuelle. La rédaction en profite pour mettre sa photo en couverture et le succès est immédiat : des dizaines de milliers de CD vendus, et surtout un concept qui s’impose.
Rémi enregistre les deux premiers volumes de Comptines & Jeux de doigts chez M 10 (actuellement Sony BMG).
Nathan lui propose de sortir un livre-CD. Nous sommes fin 1999, il va chercher Annelore Parot – connue par la suite du grand public pour ses célèbres Kokeshi – pour illustrer ses comptines.
De ces collaborations vont sortir plus d’une vingtaine d’ouvrages, vendus à ce jour à plus d’un million d’exemplaires.

Depuis maintenant 20 ans, Rémi tourne en France, mais aussi en Suisse, en Belgique et au Luxembourg dans les crèches, les écoles maternelles et les théâtres. Le spectacle Comptines et jeux de doigts est à l’affiche depuis 2012 à Paris, d’abord à La Bellevilloise, puis à la Comédie Saint-Michel et à la Comédie Bastille.

Mario SANTANGELI, le père du projet . (Compositeur/arrangeur/pianiste/guitariste/chanteur)

Chanson: a collaboré avec : Patrick Bruel, Hervé Cristiani, Manau, Gérard Berliner, Les Rubettes, Eric Morena, Nicoletta, Charles Trenet, Didier Gustin, Alliage, Sacha Distel, Herbert Léonard, Christian Delagrange, Ilie Nastase, Vincent Niclo, Michele Torr (sortie 2015)

Humour : compositions et chansons produites par PVO pour Arnaud Ducret, Arnaud Tsamère, Kev Adam’s., Garnier et Sentou, Willy Rovelli, Eric Antoine etc…

Téléfilms/sit com : "Madame le proviseur" (France2) / "Les Monos" (France 2)

"Jamais deux sans toi" (TF1), "Paradisd’enfer" (TF1)

TV/Divertissement : « Intervilles"(france2), "Samantha" (France2), L’été de tous les records (Fr3), Vidéo gag (TF1), "Pop corn TV" (diffusion internationale + de 80 chaînes).

Années 90 : Chansons avec Nagui pour l’émission « La brosse à dent » (TF1)

Pub Tv : musiques pour Findus campagne TV France et Espagne, BA bifidus, Saint-Hubert , Mc Donald , Maison de la literie. Juvamine….

Education:   CNDP (éducation Nationale) / Editions HATIER-HACHETTE (musiques contes).

France-Inter : habillage musical de l’émission « Climats »  produit par Simone Depoux

Spectacle: : Musique spectacle cabaret "Chez Michou" / Musique de la pièce " Ma colocataire est encore une garce"  (Palais des glaces 2008 à 2012 ) / Musique « Hors l’imite » de Dany Mauro au théâtre de dix heures (2015).

Anne Roumanoff :  

- Musique prochain spectacle «  Aimons nous les uns les autres » A l’olympia le 2 février 2015

Puis à l’Alhamlbra à partir de juillet 2015 + tournée

- Musique spectacle « Rouge-Manoff » au Palais royal aout 2012 + tournée

- Musique spectacle « Anne Naturellement » Bouffes parisiens + tournée

- Europe1 « Samedi Roumanoff » de juillet 2009 à juillet 2014 (plus de 500 chansons produites )

- Olympia 2009 (Festival paris fait sa comédie) (diffusion france2) Anne et ses amis humoristes

- Olympia 2010 (Festival Paris fait sa comédie) (diffusion France4) Anne et ses amis humoristes

- TF1 « Carte blanche à A.Roumanoff » en direct / juin 2011 (habillage générique + chansons)

- France2 / « Roumanoff et les garçons » sept 2012 (habillage générique + chansons)

- DVD : "Les petites résolutions d’Anne Roumanoff" (studio Canal)

Natacha SANTANGELI, chanteuse, formée au studio des variétés. Plus de 200 dates avec le trio "3 Fois danger"  produit par Guy Bontempelli. En 95, elle monte les " Dolly Frenchies " reprise de tous les standards jazzy américains sur le modèle des "Andrew sistres ".

     En 1996, choriste sur tournée Daniel Guichard.

A partir de 97 , elle est co-présentatrice pendant 7 ans de l’émission "Djee Bee et les Cybernanas" sur France Inter. Elle aura souvent au sein de cette émission l'occasion de montrer ses talents vocaux en chantant en duo avec des artistes prestigieux tels que Claude Nougaro, Alain Souchon, Henri Salvador, Michel Jonasz, William Sheller, Tom Jones, Ray Charles… Co-présentatrice de l’émission « Crooner » en août 2006 sur France Musique. Films : A joué dans « rue des plaisirs » de Patrice Leconte avec Laétitia Casta et « La chanson du maçon » de Nina Companez. De 2009 à 2014, a assuré toutes les voix féminines des chansons de l’émission «  samedi Roumanoff » sur Europe1. Actu 2015 : Voix féminines pour chansons de jeux vidéo ( Dune sound)

             Xavier VILSEK, chanteur et comédien. Au début c’est plutôt la comédie qui s’impose avec le duo

           "Suard et Vilsek" (« La Classe » sur FR3, Café de la gare, Blancs Manteaux).

             Puis émission de radio sur France Inter « Audiomatraquage » avec Isabelle Motrot.

             En 1997 , rôle très important dans la série de TF1 "Jamais deux sans toi" et « Paradis

             d’enfer ». Toujours sur TF1 « Joséphine ange gardien » et « Julie Lescaut ».

            Cinéma dans "Mensonges et trahisons" d’Edouard Baer.

          Théâtre : " La touche étoile" de Gilles Dyrek au Lucernaire,. / Intérim d’enfer au Point-Virgule et "

            Merci Jean-Claude » de Bruno Chapelle à la Comédie Caumartin. PUB-TV : Renault / Citroen /

             Barilla / Banette/ Lu/ Coriolis (avril 2011).

            Chante également dans le groupe « Barber shop quartet » depuis 2011.

Biographie

Fille d'Albert Beugras, bras droit de Jacques Doriot pendant l'Occupation à la tête du Parti populaire français, Anne Sylvestre est la sœur de l'écrivaine Marie Chaix (et donc la belle-sœur de Harry Mathews).

Anne Sylvestre passe son enfance à Tassin-la-Demi-Lune près de Lyon. Sa famille s’installe ensuite à Paris, où elle fait des études de lettres qu’elle délaisse pour se consacrer à la chanson.

Elle commence à chanter à la fin des années 1950 dans des cabarets comme « La Colombe » de Michel Valette, où elle fait ses débuts en 1957, puis au Cheval d'Or, La Contre-Escarpe, Le Port du Salut, Chez Moineau et aux « Trois Baudets » où elle chante jusqu'en 1962. C’est à la radio qu’elle commence à se faire un nom dès 1957. Son premier disque, un 17 cm, sort en 1959, et c’est avec Mon mari est parti qu’elle est véritablement remarquée. Elle enchaîne les disques et est parfois comparée à Brassens en raison de la qualité remarquable de ses textes, et parce qu'elle s'accompagne, comme lui, à la guitare. Elle reçoit le prix de l’Académie de la chanson française en 1960.

En 1962, elle se produit pour la première fois à Bobino en première partie de Jean-Claude Pascal et à l’Olympia en première partie de Gilbert Bécaud, prestations saluées par la presse. La même année, Georges Brassens, qui est dans la même maison de disques qu’elle, écrit un texte élogieux au verso de la pochette de son deuxième 25 cm, où il dit notamment : « On commence à s’apercevoir qu’avant sa venue dans la chanson, il nous manquait quelque chose et quelque chose d’important. » En octobre de cette même année sort un 45 T avec ses premières chansons pour enfants les Fabulettes.

En 1963, elle sort son premier 33 tours. Elle reçoit pour ses chansons le Grand Prix international du disque de l’Académie Charles-Cros, quatre fois entre 1963 et 1967.

En 1968, elle quitte la maison de disques Philips pour Gérard Meys, maison de production nouvellement créée ; l’année suivante elle y enregistre avec Boby Lapointe un duo plein d’humour qu’elle a écrit : Depuis l’temps que j’l’attends mon prince charmant. Elle rompt avec Meys en 1971 et se retrouve alors sans producteur. Après deux ans sans production, elle est invitée par Salvatore Picciotto à remonter sur scène au Théâtre des Capucines en 1973. Le succès qu’elle obtient auprès du public la convainc de monter sa propre maison de disques, Sylvestre, en distribution chez Barclay. Le premier album produit sous son propre label est Les Pierres dans mon jardin en 1973.

En 1974 sort le livre de sa sœur Marie Chaix intitulé « Les Lauriers du lac de Constance » qui traite de l’histoire de son père Albert Beugras, bras droit de Jacques Doriot pendant l'Occupation à la tête du Parti populaire français, qu'elle n’a jamais évoqué directement dans ses chansons.

Entre 1975 et 1986, elle produit cinq albums de chansons pour adultes et chante pour la première fois en 1985 sans sa guitare, mais accompagnée de plusieurs musiciens. Elle fait son premier enregistrement en public à l'Olympia en 1986 et monte en 1987 un spectacle avec Pauline Julien, Gémeaux croisées, créé en Belgique et objet d'une tournée en France et au Québec.

En 1989, elle joue et chante au Bataclan dans le spectacle La Ballade de Calamity Jane, pièce de Jean-Pierre Léonardini, dont elle a écrit les chansons.

Entre 1990 et 1992, son spectacle Détour de chant lui fait parcourir l’Europe et la mène jusqu'au Canada. À cette occasion, elle est accompagnée par Philippe Davenet au piano. La sortie de son album D’amour et de mots (1994) sera suivie d’une tournée québécoise et d'un récital au Théâtre de la Potinière à Paris. Elle enregistre en 1997 l'album Anne Sylvestre chante? au bord de La Fontaine qui regroupe des textes originaux librement adaptés des fables de La Fontaine.

S'étant produite plusieurs fois à l’Olympia, elle y fête ses 40 ans de chansons en 1998.

Elle se produit à l'Auditorium Saint Germain pour ses deux albums suivants : Partage des eaux en 2000 et Les chemins du vent en 2003, chacun de ses spectacles faisant également l'objet d'une tournée nationale.

En septembre 2007 elle sort un nouvel album Bye mélanco et fête ses 50 ans de chansons par une série de récitals à guichets fermés au Trianon (Paris). Pas de nostalgie, ni de bilan patrimonial : le public d'Anne Sylvestre ne cesse de se renouveler et de s'élargir, et toute une nouvelle génération de jeunes chanteurs et d'artistes la saluent comme une référence incontournable. De nombreux artistes de différents styles et de différentes générations ont chanté ses classiques, de Pauline Julien à Marén Berg en passant par Agnès Bihl, Isabelle Aubret, Cora Vaucaire, Serge Reggiani, Claude Vinci, Jann Halexander, Jorane, Vincent Delerm etc.

La carrière d’Anne Sylvestre se poursuit parallèlement sur les deux axes, chansons pour enfants et chansons pour adultes. Anne Sylvestre n’a jamais chanté les Fabulettes sur scène et si le succès considérable de ces dernières a parfois fait un peu d'ombre à son autre répertoire, elle a un large public présent lors de ses concerts.

Souvent invitée par la jeune génération elle se produit fréquemment avec ceux et celles qui se réclament de sa filiation comme Yves Jamait lors des Bars à Jamait, Renan Luce aux Musik'elles, Agnès Bihl à la Fête de l'Huma, Nicolas Bacchus, Amélie les Crayons ou Aldebert sur le spectacle Enfantillages.

Elle a obtenu, comme d'autres grands de la chanson française (Souchon, Simon, Le Forestier, Moustaki?) la médaille de vermeil de l'Académie française.

Toujours prête à de nouvelles aventures, elle participe en 2010 à la création du spectacle Bêtes à Bon Dieu, coproduit par le Hall de la chanson dirigé par le comédien-chanteur Serge Hureau.

En janvier 2011 elle se produit à l'Européen pour 4 soirs. Intitulé Au plaisir !, !e spectacle avec Nathalie Miravette comme pianiste accompagnatrice, se joue à guichet fermé et se prolonge à la Cigale le 7 mai et au Trianon le 11 octobre 2011.

Au printemps 2012, Anne Sylvestre et Agnès Bihl créent Carré de dames où elles entremêlent leurs répertoires en compagnie de leurs pianistes respectives (Nathalie Miravette et Dorothée Daniel) qui chantent également.

En 2013, Anne Sylvestre se joint aux ogres de Barback pour l'enregistrement du troisième album de Pitt Ocha.

En 2014, suite à 3 dates à La Cigale en janvier, Anne Sylvestre est annoncée au Printemps de Bourges ainsi qu'aux Francofolies de La Rochelle.

Textes

Ses chansons pour adultes, de Porteuse d'eau (1959) à Pour aller retrouver ma source (2000), évoquent souvent la terre, la nature, l'eau, le vent. Ses chansons évoquent aussi ses racines bourguignonnes : Mon grand-père Louis (1967), La Romanée Conti (1973).

On peut la qualifier de féministe. Elle chante les femmes dans des chansons où l'humour prévaut, comme La Faute à Ève (1978) ou La Vaisselle (1981), des chansons tendres, comme Une sorcière comme les autres (1975) ou Ronde Madeleine (1978) et des chansons plus dures, comme Rose (1981).

Elle chante aussi les hommes avec leurs « mauvais côtés » fanfarons, hâbleurs et parfois cocus comme dans Petit Bonhomme (1977) ou avec tendresse comme dans Que vous êtes beaux (1986).

Chanteuse engagée, mais qui a toujours refusé cet adjectif à son propos (Cf un de ses titres : "chanson dégagée"), elle signera et signe encore de nombreux textes en s'impliquant, comme elle s'en explique dans Si je ne parle pas, 1981. Elle aborde dans ses chansons de nombreux thèmes de société tel le viol (Douce Maison, 1978), l'avortement (Non, tu n'as pas de nom, 1973), la misère et les sans-abris (Pas difficile, 1986) ou l'actualité (Un Bateau mais demain en 1978, Roméo et Judith en 1994 et Berceuse de Bagdad en 2003). Elle aborde également à plusieurs reprises le thème de l'homosexualité et des préjugés qui lui sont liés notamment dans la chanson Xavier et elle s'engage en faveur du mariage homosexuel dans sa chanson Gay marions nous.

Ses Fabulettes, tout en piochant dans un registre enfantin, allient elles aussi humour et sérieux : les Chansons pour ou celles de l'album Les Mots magiques sont plutôt éducatives, tandis que C'est un veau ou Dans ma fusée font appel à l'imagination. Certaines chansons, tel Café au lait sur les différentes couleurs de peau, J'ai une maison pleine de fenêtres sur les HLM, ou Le Bonhomme bleu marine sur la pollution des plages, rejoignent le côté engagé de ses chansons pour adultes. Les Fabulettes n'ont été diffusées qu'en disque. Anne Sylvestre a toujours refusé de les interpréter en public, réservant ses concerts à ses chansons "pour adultes".

Associée dans les années 1970 au mouvement féministe, elle chante avant tout la sensibilité féminine. Ses textes racontent l'intimité, mais aussi la force des sentiments et de ses engagements : la guerre et la solitude (Mon mari est parti), l'avortement (Non tu n'as pas de nom).

Discographie indicative (CD)

• 1959 : Porteuse d'eau + Les cathédrales EP
• 1959 : Anne Sylvestre chante ... EP (mon mari est parti+ 3 titres)
• 1962 : La femme du vent
• 1963 : Vous aviez ma belle
• 1964 : T'en souviens tu, la Seine
• 1965 : Lazare et Cécile
• 1967 : Le géranium (ou berceuse pour moi)
• 1968 : Mousse
• 1969 : Aveu
• 1971 : Abel, Cain, mon fils
• 1973 : Les pierres dans mon jardin
• 1975 : Une sorcière comme les autres
• 1977 : Comment je m'appelle
• 1978 : J'ai de bonnes nouvelles
• 1981 : Dans la vie en vrai
• 1985 : Écrire pour ne pas mourir
• 1986 : Tant de choses a vous dire
• 1988 : Gémeaux croisés (enregistrement public avec Pauline Julien)
• 1989 : Ballade de Calamity Jane
• 1989 : Olympia 86 (enregistrement public à L'Olympia)
• 1994 : D'amour et de mots
• 1995 : Récital au Théâtre de la Potinière (enregistrement public)
• 1997 : Chante? au bord de La Fontaine
• 1998 : Les Arbres verts
• 1998 : 40 ans de chansons (réédition d'enregistrements de 1959 à 1998), intégrale en 15 CD
• 1999 : À l'Olympia en 1998
• 2000 : Partage des eaux
• 2003 : Les Chemins du vent
• 2007 : Bye mélanco
• 2008 : Mon Jubilé
• 2011 : Parenthèses (17 chansons reprise en piano-voix et deux inédites)
• 2013 : Juste une femme

Publications

• Notices d’autorité : Fichier d’autorité international virtuel ? International Standard Name Identifier ? Bibliothèque nationale de France ? Système universitaire de documentation ? Bibliothèque du Congrès ? Gemeinsame Normdatei ? WorldCat
• Anne Sylvestre, Anne Sylvestre, chansons d'aujourd'hui, Jean Monteaux, collection Poésie et Chansons, Éditions Pierre Seghers, 1966 (biographie, entretien et recueil de textes)
• Anne Sylvestre, Pour de vrai, entretiens avec Monique Detry, Monique Detry, collection Les Interviews, 1981
• Anne Sylvestre, Sur mon chemin de mots, Anne Sylvestre, EPM et Le Castor Astral, Paris, 1998 (recueil de textes)
• Anne Sylvestre, Et elle chante encore ?, par Daniel Pantchenko, Éditions Fayard, Paris, octobre 2012 (biographie avec témoignage de l’artiste et de quatre-vingts autres personnes).

Participations

• En 2008, elle chante en duo avec Aldebert sur « Pas plus compliqué que ça », titre inclus sur l'album « Enfantillages » d'Aldebert.

• En 2010, elle chante en duo avec Nicolas Bacchus sur « Cousine », titre inclus sur l'album « La verVe et la Joie » de Nicolas Bacchus.

• En 2010, elle chante en duo avec Gilles Vigneault sur « La Source », titre inclus sur l'album « Retrouvailles » de Gilles Vigneault.

• En 2013, elle chante sur l'album Pitt'Ocha et la tisane de couleurs du groupe Les Ogres de Barback

Filmographie

• Swamp ! de Éric Bu, comédie, 1999 (France)

Hommage

• La violoncelliste et chanteuse québécoise Jorane a repris plusieurs de ses chansons sur un album intitulé Une sorcière comme les autres (2011).

Bibliograpie

• Daniel Pantchenko, Anne Sylvestre : Et elle chante encore ?, Fayard , 2012

Références

Liens externes

• Site officiel
• Anne Sylvestre sur Fabicore
• Anne Sylvestre sur Facebook

Biographie

Christian Ferrari voit le jour au Havre en 1947. Après avoir obtenu le bac, il quitte sa ville natale pour Rouen et la Faculté de Lettres. A 20 ans, il s'engage dans la déferlante de mai 68, ses lectures et ses rencontres approfondissent sa vision humaniste du monde. Après avoir obtenu son diplôme, il revient au Havre pour être professeur de français et y rencontre sa femme Martine, elle aussi enseignante. C'est alors le temps de la décentralisation culturelle et des maisons de la culture créées par André Malraux. Cette période est marquée par une politique permettant l'ouverture des pratiques artistiques aux différents publics et une certaine effervescence culturelle. Il y prend part par quelques créations avec ses amis poètes, peintres et comédiens Havrais. Pendant dix ans, Christian Ferrari va enseigner avec beaucoup de conviction son amour des textes et de la langue française. Puis il va passer de l'estrade à la scène, et chanter ses mots avec cette même conviction. Il fera la première partie des spectacles des artistes de l'époque et une création avec Francis Lemarque "Une île nommée les Neiges". Il va ensuite "monter" à Paris et se produire un peu partout en France. Au fil du temps, avec les réactions du public et les demandes des organisateurs des spectacle, il s'oriente vers la chanson pour enfants. Rêveurs et sans cynisme, les enfants sont un public idéal, peut-être trop utopistes pour les adultes et leur expérience réaliste de la vie. Certains des morceaux de Christian Ferrari sont devenus des classiques enseignés à l'école, comme "Le vélo de Valentine" qui a donné lieu à un partenariat pédagogique avec le CNDP ou "Les couleurs de la vie". À partir de 1980, il défend les droits de l'enfants avec l'Unicef et entreprend des collaborations avec des écoles, des prisons, des associations ou des festivals autour d'ateliers d'écriture. En 2011, Christian Ferrari a monté et présenté un spectacle avec les élèves de l'École des Nations unies à New York. A la fois par son parcours et son style ludique et éducatif, Christian Ferrari est aujourd'hui reconnu dans les milieux culturels comme un spécialiste de la chanson pour enfants. Depuis une dizaine d'année, il est chargé de cours en écriture de chansons au CFMI (université d'Orsay). Il aime partager sa passion en animant des ateliers d'écriture de chansons intitulés "Paroles et musiques".

Spectacles

Christian Ferrari crée au Roseau Théâtre à Paris le spectacle "Pas banal lundi matin sur la banale planète grise". Nous sommes en 1987. Deux autres tours de chant naîtront sur ces mêmes planches : "On a le droit !" en 1989 et "C'est la vie, c'est comme ça !" en 1993. En 1995, Christian Ferrari présentera sa nouvelle création à l'Auditorium des Halles, intitulée "Qu'est-ce que ça peut faire !". En 1997, il se produira au Printemps de Bourges avec "Et quand on chante, c'est beau, c'est beau !". En 2000, il dévoilera le spectacle "Très loin, c'est tout près" au théâtre d'Edgar. L'année suivante, Christian Ferrari chantera les chansons issues du disque "Mais comment va-ton l'appeler" sur la scène du Théâtre de Nesles. En 2003, au Centre Les Halles Le Marais, il présentera son nouveau projet, "Il y a une île". Spécialement pour le festival Tintinnabule de Combs la Ville, il créera avec François Lemonnier et Hervé Demon le spectacle Pacidipadla. Trois ans plus tard, Christian Ferrari interprètera les chansons de son nouveau disque, inspiré par les structures familiales modernes : Ma famille c'est tout ça ! Début 2013, il sera sur la scène du Théâtre de Nesles pour y défendre son nouvel album "Chansons tournent en rond".

Discographie

• 2001 : Mais comment va-t'on l'appeler ?
• 2003 : Il y a une île
• 2006 : Ma famille, c'est tout ça !
• 2008 : Mes favoris
• 2013 : Chansons tournent en rond

Bibliographie

• 2006 Christian Ferrari (texte), Anne Brouillard (illustrations) : "Le vélo de Valentine" livre de jeunesse et kamishibaï; Lirabelle (éditions)

Notes et références

Biographie

Après son service militaire en Suisse, Henri Dès commence par chanter à Paris aux terrasses des cafés et dans les petits cabarets de la Rive Gauche. En 1970, il représente la Suisse au concours Eurovision de la chanson où il finit 4^e.

Après quelques disques pour adultes et un succès d'estime, il commence à écrire quelques chansons pour son fils, Pierrick, alors âgé de 4 ans. Sur le conseil de ses amis, il enregistre quelques titres avec lui.

Les majors du disque ne s'intéresseraient à lui qu'à la condition qu'il fasse la promo avec le petit. Refus catégorique.

Henri Dès fonde alors sa propre maison de disques, Productions Mary-Josée, du prénom de sa femme.

En 1977, il publie son premier album pour enfants, Cache-Cache, l'année de la mort d'Elvis Presley, l'une de ses deux références musicales majeures avec Georges Brassens).

Il sortira successivement 36 albums pour enfants : Livres, Contes, Concerts, Comédies musicales, dont 18 en tant qu'auteur-compositeur. Pour certaines de ses chansons du début, il est accompagné par son fils Pierrick ou sa fille Camille.

En 1985, il reçoit son premier Disque d’Or. Il enchaîne les tournées en Suisse, France, Belgique, et Québec.

A Paris, il donne des concerts dans des salles prestigieuses : Salle Pleyel, Casino de Paris, Espace Cardin.

A l'Olympia, il aura chanté 94 fois devant des salles pleines entre 1986 et 2013, sans compter plusieurs tournées de Zénith dans toute la France.

L'œil pétillant, l'intonation complice, il jouit d'une grande popularité auprès de trois générations. Son public des débuts vient avec ses enfants d'aujourd'hui accompagnés de leurs grands-parents. Parmi ses chansons les plus connues, il y a Les bêtises à l'école, La petite Charlotte, Le beau tambour, La fourmi amoureuse, Chanson pour mon chien, Polyglotte, La glace au citron, La machine, Le petit zinzin, Mon gros loup, mon petit loup, Le fantôme, Gâteau, Quand j'éteint la lumière, À moi la grande aventure ou même Mon ami le poisson fait de la natation.

Henri Dès reçoit de nombreuses récompenses dont 3 Victoires de la Musique : en 1995 pour L’Evasion de Toni, en 1997 pour Far West, et en 2001 pour Du soleil.

En 2003, sa collection Le Monde d’Henri Dès est Disque de diamant. La majorité de ses disques sont Disque d'Or.

Entre la France et la Suisse, une trentaine d'écoles, crèches, centres de loisirs et salle de musique portent son nom.

En 2012, Henri Dès fait partie des 60 personnalités qui font leur entrée dans la nouvelle édition du Petit Larousse Illustré.

En 2014, il crée sa propre radio sur le web : Radio Henri Dès.

Discographie

• 1966 : Elle est belle (disque 45 tours e-p pour adulte)
• 1967 : Je suis dans l'coup (disque 45 tours e-p pour adulte)
• 1967 : Sur le toit de la gare (disque 45 tours pour adulte)
• 1968 : Bla bla blou (disque 45 tours e-p pour adulte)
• 1968 : Maria Consuelo (disque 45 tours e-p pour adulte)
• 1969 : Y dit j'y dis (disque 45 tours e-p pour adulte)
• 1970 : Retour (disque 45 tours pour adulte)
• 1971 : Chansons pour toi (disque 33 tours pour adulte)
• 1974 : Quand on revient d'ailleurs (disque 33 tours pour adulte)
• 1975 : Douroum doum doum (disque 45 tours pour adulte)
• 1975 : Enregistrement public (double disque 33 tours pour adulte)
• 1977 : Cache-cache
• 1978 : Si c'était moi ? (disque 33 tours pour adulte)
• 1979 : La Petite Charlotte
• 1979 : Henri Dès chante pour les enfants (disque 45 tours)

• 1980 : Flagada
• 1982 : L'Âne blanc
• 1983 : Grand prix de l'académie Charles-Cros
• 1984 : Dessin fou
• 1985 : Les Trésors de notre enfance, vol. 1
• 1986 : Le Beau Tambour
• 1988 : La Glace au citron
• 1989 : Toni et Vagabond
• 1989 : Olympia 89
• 1990 : Les Trésors de notre enfance, vol. 2
• 1991 : Les Bêtises
• 1991 : Belles histoires de Pomme d'Api 1
• 1993 : Le Crocodile
• 1993 : Belles histoires de Pomme d'Api 2
• 1994 : L'Évasion de Toni
• 1995 : Far West
• 1995 : Belles histoires de Pomme d'Api 3
• 1996 : Olympia 96
• 1997 : On peut (pas) tout dire
• 1997 : Victoire de la musique pour son album Far West
• 1998 : Olympia 98
• 1998 : Du soleil
• 2000 : Olympia 2000
• 2001 : C'est le Père Noël
• 2002 : Comme des géants
• 2003 : Olympia 2003
• 2003 : Quand les chats étaient verts (livre)
• 2004 : La grande aventure (DVD)
• 2005 : Polissongs
• 2006 : Les plus belles berceuses d'Henri Dès (livre)
• 2006 : Olympia 2006
• 2007 : Gâteau
• 2008 : Henri Dès (DVD)
• 2008 : L'Hirondelle et le Papillon
• 2009 : Carte Blanche à Henri Dès
• 2009 : Un coffret de 3 CD Henri Dès 1
• 2009 : Un coffet de 3 CD Henri Dès 2
• 2009 : Je fais de la Musique avec Henri Dès - Coffret 3 CD
• 2009 : Petits trésors - Volume 1, 2 et 3 - Live 1998 Olympia
• 2009 : Calins en chansons avec Maman - 3 CD
• 2009 : Les apprentis du goût (livre)
• 2009 : Olympia 2009
• 2009 : Olympia 2009 (DVD)
• 2009 : Yok-Yok Chante
• 2009 : Tout Simplement
• 2010 : Pomme d'Api Les Belles histoires de Pomme d'Api - Coffret 3 DVD (DVD)
• 2010 : La Petite Charlotte (livre-CD)
• 2011 : Henri Dès avec Albert Le Vers: La Poet'Machine (DVD)
• 2011 : Flagada (livre-CD)
• 2011 : Il était une fois... (livre)
• 2011 : Abracadabra
• 2012 : L'Âne blanc (livre-CD)
• 2012 : Dessin fou (livre-CD)
• 2012 : En 25 chansons (album de compilation)
• 2013 : Casse-pieds (livre-CD)

Écrits

• Henri Dès, Henri Dès - Casse-pieds, Les Éditions des Braques, 2013
• Henri Dès, Henri Dès - L'âne blanc, Les Éditions des Braques, 2012
• Henri Dès, Henri Dès - Flagada, Les Éditions des Braques, 2011
• Henri Dès, Henri Dès - La petite Charlotte, Les Éditions des Braques, 2010
• Henri Dès, Henri Dès - Cache-cache, Les Éditions des Braques, 2010
• Henri Dès, Henri Dès chante et raconte gâteaux, Éditions du Chêne, 2010
• Henri Dès, Henri Dès chante et raconte Far-West, Éditions du Chêne, 2010

Télévision

• 1970 : Ne vous fâchez pas, Imogène ! de Lazare Iglesis
• 2010 : Le Miroir cours métrage d'Antoine Tinguely et Laurent Fauchère

Bibliographie

• Pierrick Destraz, Henri Dès, du fils au père, Éditions Favre, 2007, 176 p.
• Collectif, Henri Dès, chansons en BD, Éditions Delcourt, 2007, 54 planches.

Liens externes

• Site officiel

Avec Sacha Distel, ce sont les deux seuls chanteurs français de variété à figurer dans le Dictionnaire du Jazz.

Son corps repose au cimetière du Père-Lachaise, à Paris, non loin de celui d'Édith Piaf.

Biographie

Son père Clovis et sa mère Antonine Paterne, fille d’une amérindienne caraïbe, sont tous deux natifs de Guadeloupe : son père de Morne-à-l'Eau, et sa mère de Port-Louis. Le 16 août 1929, à l’âge de 12 ans, il débarque du paquebot Pérou au Havre en compagnie de toute sa famille. Il a une sœur, Alice, et un frère, André, avec lequel il chantait en duo au début de sa carrière, et avec qui il fit les beaux jours du Jimmy’s, à Paris et à Biarritz. Son frère André Salvador reçut le Grand prix du Disque de l'Académie Charles-Cros en 1947 pour Hey-ba-ba-re-bop avec l’orchestre d’André Ekyan.

Henri Salvador est par ailleurs le père biologique du photographe Jean-Marie Périer, conçu lors d'une liaison avec l'actrice Jacqueline Porel. L'enfant a ensuite été reconnu par François Périer. Les circonstances de la rencontre entre Jean-Marie Périer et son père naturel sont relatées dans son autobiographie Enfant gâté^,.

Il se marie en 1940 avec une jeune Corse, Lili Susini, qui l'accompagnera pendant son périple sud-américain avec l'orchestre de Ray Ventura jusqu'à son retour en France en 1945. Il se remarie avec Jacqueline Garabédian en 1950. Après la mort de sa seconde épouse en 1976, Henri Salvador se remarie, en mai 1986, avec Sabine de Ricou, de qui il divorcera en 1995.

En novembre 2001, il épouse Catherine Costa, femme de radio et productrice d'émissions télévisées.

Le musicien

En 1933, il obtient ses premiers engagements dans des cabarets parisiens. Ses talents de musicien, mais aussi d’humoriste, le font connaître et apprécier du public. En 1935, il joue au Jimmy’s Bar, cabaret renommé de l’époque. Django Reinhardt l’engage alors comme accompagnateur.

En 1941, il fuit la France, où la guerre s’étend. Il n’y reviendra qu’après la capitulation de l’Allemagne. De décembre 1941 à décembre 1945, il fait partie de l’orchestre de Ray Ventura lors de son séjour en Amérique du Sud ? Brésil, Argentine, Colombie, Uruguay, etc. Il y exerce ses talents de guitariste-chanteur, et de comique, avec une imitation de Popeye. C'est là qu'il connaît son premier succès personnel, « sauvant » la première soirée de l'orchestre de Ray Ventura au casino d'Urca (Rio de Janeiro) par son imitation de Popeye puis l'interprétation de Maladie d'amour. Il participe, en 1949, au film Nous irons à Paris, de Jean Boyer, aux côtés de l’orchestre de Ray Ventura, des Peter Sisters, de Martine Carol et d’autres vedettes de l’époque.

En 1949, il obtient le grand prix du disque de l’Académie Charles-Cros, et passe à l’ABC, le temple des music-halls parisiens, dans la revue de Mistinguett Paris s’amuse. C’est là qu’il rencontre Jacqueline, qui devient son épouse et son imprésario.

Par la suite, devenu chanteur, il fit toujours en sorte de combiner sur ses albums chansons très fantaisistes et chansons douces, bien que le grand public se montre plus enthousiaste sur les premières, tandis que la concurrence était sévère dans le domaine des secondes (André Claveau, Georges Ulmer, etc.).

Le chanteur populaire

En 1956, sous le pseudonyme d’Henry Cording - en référence à recording (enregistrement en anglais), il est l'un des premiers à interpréter des airs de rock 'n' roll en français. Il s’agit, en fait, de parodies de ce nouveau style de musique alors en vogue aux États-Unis.

Parallèlement, la même année, il enregistre un 45-tours à la guitare jazz, intitulé Salvador plays the blues.

C'est en débutant dans l'Orchestre de Ray Ventura qu'Henri Salvador révèle ses qualités d'interprète et de fantaisiste. Il y fait la rencontre déterminante de Bernard Michel et Maurice Pon, avec qui il écrira de nombreux succès : Le Loup, La Biche et Le Chevalier (communément appelée « Une chanson douce »), Le travail, c'est la santé, Dans mon île, Croqu'Soleil, Les Bestioles etc. La complicité de Bernard Michel et Henri Salvador engendre plus de quarante-cinq ans de créations artistiques fructueuses, telles que : Ah Ah Ah, Ma Doudou, Twist SNCF, Zorro est arrivé, Minnie, petite souris, Tout ça, c'est pas grave, Monsieur Boum Boum, J'étais une bonne chanson, Une Femme d'affaires, Pauvre Jésus-Christ, Le Voyageur, Une Blonde en Or, Les Aristochats, C'est pas la joie, J'aime tes genoux, etc. Sa carrière prend un tournant dans les années 1960, en grande partie grâce aux émissions de variétés de Maritie et Gilbert Carpentier, dans lesquelles il interprète des chansons humoristiques, qui le consacreront comme chanteur populaire : Faut rigoler, Juanita Banana, etc. Il obtient même, en première partie de soirée, sa propre émission, intitulée « Salves d’Or », qui connaîtra plusieurs éditions.

Il crée en 1964 son propre label, « Rigolo », qui publiera dorénavant tous ses disques jusqu'en 1984, ainsi que ceux de quelques autres artistes : Tiny Yong, Jacky Moulière, Baris Manço, les Bretell's, Jacqueline Boyer, Audrey?

Supporter du Paris Saint-Germain depuis le début des années 1970, Henri Salvador possédait quatre abonnements à vie au Parc des Princes depuis l’ère Hechter. Le club était en effet dans une mauvaise passe financière et Daniel Hechter a demandé à ses amis de mettre la main à la poche. En contrepartie de 10 000 francs de dons, Hechter a offert un abonnement à vie au Parc pour tous les matches du club. Henri Salvador en prit quatre.

En 1979, il participe au conte musical Émilie Jolie, écrit par Philippe Chatel, dans lequel il incarne le conteur, et interprète trois chansons, dont l’une avec Françoise Hardy et Émilie Chatel.

Certains de ses innombrables succès ont été repris sur disque par d'autres artistes, en particulier Le Loup, la Biche et le Chevalier (plus connu de tous sous le titre Une Chanson Douce). Enzo Enzo ou Thierry Gali, entre autres ont repris ce titre dans leurs albums, à destination d'un jeune public. De 1971 à 1975, il participe, avec bonheur, à plusieurs séries de variétés pour la jeunesse produites sur la Première Chaîne de télévision par Gilbert Richard. Notamment, il compose et interprète l'indicatif de son émission du mercredi après-midi : « Papa Tête en l'Air ».

Éclipse et rebond

Sa carrière connaît une éclipse dans les années 1980 et 1990. Il passe même alors auprès des jeunes pour un musicien « ringard », et la télévision ne le montre plus. Le chanteur se consacre alors surtout à la pétanque, dont il est un joueur de haut niveau. Il publie un album de bande dessinée sur le sujet, Passion? Pétanque, et invente même des boules : une première série est commercialisée d’abord par le fabricant JB, puis il dépose trois brevets pour la boule de haute technologie « VMS Plot ».

En 2000, Keren Ann et Benjamin Biolay grâce au mécénat de Philippe Ulrich, lui offrent l’occasion de revenir au sommet avec son disque Chambre avec vue et son titre phare : Jardin d’hiver. La collaboration avec Benjamin Biolay s’envenime quelque temps plus tard.

Henri Salvador s’est également prêté au doublage de films d’animation, en prêtant sa voix en 1989 au crabe Sébastien dans La Petite Sirène, des Studios Disney. En 2006, à l’occasion de la sortie DVD du film, il réenregistra également les dialogues de sa suite, La Petite Sirène 2 : Retour à l'océan, dialogues confiés à un autre comédien sur la version originale de 2000.

Parolier pour de nombreux artistes, notamment pour Régine, Sheila, il a fait connaître au grand public Keren Ann. Plusieurs musiciens, comme Laurent Voulzy, Gabriel Yared, Eddy Mitchell et Art Mengo, ont composé pour lui.

Son dernier album, intitulé Révérence, sort fin octobre 2006. Il met fin à sa carrière active lors d’un dernier spectacle donné au Palais des congrès de Paris le 21 décembre 2007.

Entre les deux tours de l'élection présidentielle française de 2007, Henri Salvador a participé à un meeting de soutien à Nicolas Sarkozy, au cours duquel il a pris la parole en faveur de son candidat.

Il meurt le 13 février 2008 d’une rupture d'anévrisme à son domicile parisien, place Vendôme, à l’âge de 90 ans. Sa dernière émission enregistrée sera celle de Laurent Baffie sur Europe 1, enregistrée quelques jours avant sa mort et diffusée le 10 février 2008. Ses obsèques ont eu lieu le 16 février 2008 en l'église de la Madeleine à Paris, avant qu'il ne soit inhumé au cimetière du Père-Lachaise (97^e division).

Récompenses

• Victoire d’honneur de la musique en 1998.
• Prix du disque 2000 de l'Académie Charles-Cros pour l'ensemble de sa carrière le 28 novembre 2000.
• Il reçoit deux Victoires de la musique en 2001 : celle du groupe ou artiste interprète masculin de l’année et celle de l'album de variétés de l’année pour Chambre avec vue. Il recevra en outre la Victoire du meilleur spectacle l'année suivante.
• Le 8 novembre 2005, Henri Salvador est décoré à Brasilia : il est fait grand-croix de l'Ordem do Mérito Cultural (Ordre du mérite culturel) brésilien, qu’il reçoit des mains du chanteur et ministre de la Culture Gilberto Gil en présence du président Luiz Inácio Lula da Silva et de son « élève musical », le chanteur Caetano Veloso. Le Brésil lui rendit ainsi hommage pour son apport à la diffusion hors des frontières de la culture de ce pays, en particulier la bossa nova, qu’il aurait contribué à inventer^,.
• Henri Salvador était aussi commandeur de la Légion d'honneur, de l’Ordre national du Mérite et de l’Ordre des Arts et des Lettres.
• Médaille d’or de l’Académie française en 2001.
• Il a été intronisé auprès de la confrérie des Hospitaliers de Pomerol en 2006^{[réf. nécessaire]}

Discographie

78 tours

Jusqu'en 1951 : label Polydor - À partir de 1952 : label Philips.

• 1948 : Maladie d'amour / Clopin clopant (réf. 560 039)
• 1948 : Le portrait de tante Caroline / Parce que ça me donne du courage (réf. 560 069) (réédité en 1949 réf. 560 116)
• 1948 : Mon ange / Tout ça (réf. 560 073)
• 1948 : Chanson surréaliste / Salvador s'amuse (réf. 560 076)
• 1949 : Ma doudou / Un p'tit air dans la caboche (réf. 560 118)
• 1949 : Bedelia / 24 heures par jour (réf. 560 119)
• 1949 : El a diz que tem / Qui sait, qui sait, qui sait (réf. 560 130)
• 1949 : Son p'tit bonhomme de chemin / Comme jamais (réf. 560 133)
• 1950 : Je ne suis pas / Charlot (réf. 560 140)
• 1950 : Les maris, les papas et les chats / Que si, que no (réf. 560 156)
• 1950 : Adieu foulards, adieu madras / Ti Paule (réf. 560 165)
• 1950 : C'est Noël m'amie / Léger (réf. 560 180)
• 1950 : C'est le be-bop (Boris Vian) / Saint-Germain des Prés (Léo Ferré) (réf. 560 181)
• 1950 : Quand je me souviens / Si jolie (réf. 560 182)
• 1950 : Un clin d'œil / Avec un tout p'tit rien (réf. 560 183)
• 1950 : Le marchand de sable / Le loup, la biche et le chevalier (réf. 560 184)
• 1951 : Enfance de mon cœur / Rebonjour (réf. 560 196)
• 1951 : Ma chansonnette / Bon à rien (réf. 560 246)
• 1951 : La vie grise (Boris Vian) / Le scaphandrier(Léo Ferré) (réf. 560 253)
• 1951 : Ciel de Paris / Monsieur l'bon Dieu (réf. 560 268)
• 1951 : Tout est tranquille / Le téléphone (réf. 560 341)
• 1951 : Dors mon petit ange / Doucement, doucement (réf. 560 342)
• 1952 : Ma petite folie / Ma petite Jacqueline (réf. 72 106)
• 1952 : L'abeille et le papillon / Je vous aime (réf. 72 109)
• 1952 : Gade boug'la / Haïti (réf. 72 121)
• 1952 : En traînant la savate / Quand on s'aime à Paris (réf. 72 158)
• 1952 : Les oiseaux et les rêves / La mort passe (réf. 72 174)
• 1953 : Elle me donne / Le petit Indien (réf. 72 191)
• 1954 : Le roi du fox-trot / Le roi des caves (réf. 72 275)
• 1955 : Margaret / Papa loves mambo (réf. 72 276)
• 1956 : Qu'ech que ch'est qu'cha / As-tu vu Adèle (réf. 72 292)

45 tours

Henri Salvador a sorti plusieurs dizaines de 45 tours, parmi lesquels :

• Philips 432.736: Le lion est mort ce soir / Twist SNCF / Dis, dis, dis / Twist de l'enrhumé
• Philips 432.828: Sherry / Le chercheur d'or / Le voyageur / Purée de pommes de terre
• Philips 432.868: Retour au porteur / Dis-moi que tu m'aimes / Va-t-en vite mon amour / Minnie, petite souris
• Philips 432.919: Monsieur Boum Boum / Sûrs de nous / Grosse fille pleure pas / Cœur brisé à prendre
• Rigolo 18.717: Avec la bouche / Madame tristesse / Le petit clown / Zorro est arrivé
• Rigolo 18.733: La danse de Zorba / Loin sur les grands chemins / Tant qu'il y aura des filles sur la terre / Sophia
• Rigolo 18.734: Le travail c'est la santé / Dis, Monsieur Gordon Cooper / Bouli-bouli / Hula-Hula
• Rigolo 18.739: Juanita Banana / Caroline / Soleil blanc / Avant
• Rigolo 18.741: Quand faut y aller faut y aller / Je bois à ton souvenir / Socialement parlant / Trois roues à mon chariot
• Rigolo 10.082: Petit Lapin / La vallée

Albums

• 1955 : Henri Salvador chante ses derniers succès, Polydor (Le loup, la biche et le chevalier, Maladie d’amour, Clopin-clopant, etc.)
• 1956 : Henri Salvador alias Henry Cording and his original Rock and roll boys, Philips
• 1957 : Sous les tropiques, Philips (Adieu foulards, adieu madras, Oh si y avait pas ton père, etc.)
• 1959 : Chanté par Henri Salvador, Barclay
• 1960 : Salvador s’amuse, Barclay (Blouse du dentiste, Gondolier, Moi j’préfère la marche à pied, etc.)
• 1962 : Succès, Philips/Salvador (Le lion est mort ce soir, Twist SNCF, etc.)
• 1963 : Henri Salvador, Philips/Salvador (Minnie petite souris, etc.)
• 1964 : Zorro est arrivé, Rigolo
• 1965 : Le travail c’est la santé, Rigolo
• 1967 : Henri Salvador, Rigolo (J’étais une bonne chanson, Enfoncez-vous ça dans la tête, Claire, ma secrétaire, etc.)
• 1968 : Salvador, Rigolo (Une chanson douce, Quand faut y aller, faut y aller, etc.)
• 1969 : Henri Salvador, Rigolo
• 1972 : Le Petit poucet, Rigolo
• 1977 : Salvador 77, Rigolo
• 1978 : Henri Salvador, Rigolo
• 1979 : Salvador/Boris Vian, Rigolo
• 1980 : Salvador en fête, Rigolo
• 1985 : Henri, Pathé Marconi
• 1989 : Des goûts et des couleurs, Pathé Marconi

Les voleurs d’eau - Je ne le dirai pas - La dernière danse - Pense Henri - Blues dingue - Donne, donne - Des goûts et des couleurs - Où, quand, comment - Tu es entrée dans mon âme - Debout dans un hamac.

• 1994 : Monsieur Henri, Sony Music

Qu’ça saute - En plantant des navets - Qu’est-c’que j’aime - Layla - J’ai dû faire le con quelque part - La main au cul - Vas-y mollo - Pieds palmés - Yes or no - Rock Hoquet - Envie de toi.

• 2000 : Chambre avec vue, Virgin

Jardin d’hiver - Chambre avec vue - J’ai vu - Il fait dimanche - La Muraille de Chine - Jazz Méditerranée - Un tour de manège - Vagabond - Je sais que tu sais - Mademoiselle - Le fou de la reine - Faire des ronds dans l’eau - Aime-moi.

• 2002 : Performance ! (Enregistrement public), EMI

Bonjour et bienvenue - Il fait dimanche - Ma doudou (avec Laurent Voulzy) - Qu’elle est con - Mademoiselle - Muraille de Chine - Quoique l’on fasse - J’ai beaucoup trop envie de toi - Chiche (avec Bireli Lagrène) - Tu es entrée dans mon âme (avec Bireli Lagrène) - Oléo - Duke, Basie, Louis - All I really want (avec Lisa Ekhdal) - Syracuse - Jardin d’hiver - Le loup, la biche et le chevalier (Chanson douce) - Avec le temps - Bonsoir amis

• 2003 : Ma chère et tendre, EMI

Ma chère et tendre - Vous - C’était un jour comme les autres - Le voyage dans le bonheur - Toi - J’ai tant rêvé - Quand un artiste - Sans toi - Ailleurs - Itinéraire - Tu es venue - Bormes-Les-Mimosas - Dans tes yeux.

• 2006 : Révérence, V2

La vie c’est la vie - Mourir à Honfleur - Dans mon île - Cherche la rose - L’amour se trouve au coin de la rue - Tu sais je vais t’aimer - J’aurai aimé - Italie (un tableau de maître) - D’abord - Les amours qu’on délaisse - Alléluia ! je l’ai dans la peau - Les dernières hirondelles - Tu sais je vais t’aimer.

• 2012 : Tant de temps (album posthume composé de titres inédits enregistrés en 1999 - paru le 18 juin 2012)

Ça n'a pas d'importance - Tant de temps - Une Île sans elle - Mon Amour - Une Belle journée - Qui es-tu ? (avec Hubert Mounier) - Paname à La Havane - Mes Petites préférences - Ça leur passera (avec Benjamin Biolay) - Doucement - Syracuse

Collaborations

Avec les éditions Walt Disney

• 1971 : Les Aristochats
• 1973 : Blanche-Neige et les Sept Nains
• 1974 : Robin des Bois
• 1975 : Pinocchio
• 1976 : Le Monde rose et bleu d’Henri
• 1990 : La Petite Sirène, dans le rôle de Sébastien

Conte musical

• Participation au conte musical Émilie Jolie de Philippe Chatel dans le rôle du Conteur, au milieu de nombreux autres artistes (1979 BMG Ariola PD37338/RCA)

Filmographie

• 1948 : Mademoiselle s'amuse de Jean Boyer avec Gisèle Pascal, Ray Ventura
• 1950 : Nous irons à Paris de Jean Boyer avec Ray Ventura, Françoise Arnoul, Philippe Lemaire
• 1952 : Nous irons à Monte-Carlo de Jean Boyer avec Ray Ventura, Françoise Arnoul, Christian Duvaleix, Albert Duvaleix, Jackie Sardou.
• 1956 : Bonjour sourire de Claude Sautet avec Louis de Funès, Annie Cordy, Jean Carmet, Jimmy Gaillard, Darry Cowl, Christian Duvaleix,
• 1958 : Nuits d'Europe d'Alessandro Blasetti avec Domenico Modugno, les Platters,
• 1962 : Accroche-toi, y'a du vent ! de Bernard Roland avec Francis Blanche
• 1962 : Tartarin de Tarascon de Francis Blanche avec Michel Galabru, Jacqueline Maillan
• 1962 : Un clair de lune à Maubeuge de Jean Chérasse avec Claude Brasseur, Mathilde Casadesus, Jacques Dufilho, Sylvie Vartan*
• 1966 : Les malabars sont au parfum de Guy Lefranc avec Sophie Agacinski, Francis Blanche, Darry Cowl, Roger Pierre, Jean-Marc Thibault
• 1970 : Et qu'ça saute de Guy Lefranc avec Roger Carel, Michel Creton, Jean-Pierre Darras, Michel Galabru, Paul Préboist

Bibliographie

• Henri Salvador (dessins de Marcel Uderzo), Passion... Pétanque, Paris, Éditions Archives,? 1976, 40 p. (ISBN 2709614987)
• Henri Salvador, Attention ma vie, Paris, Éditions Jean-Claude Lattès,? 26 octobre 1994, 314 p. (ISBN 2709614987)
• Il est évoqué dans le 135^e des 480 souvenirs cités par Georges Perec dans Je me souviens.

Télévision

Acteur

• 1999 : Crimes en série (téléfilm), apparition aux côtés de Pascal Légitimus.

Émissions de télévision

• 1969 : Ouvrir les yeux, émission d'Éric Ollivier et Robert Mugnerot ; « Les Crâneurs », par Denis Goldschmidt et Agathe Godard : (participation)

Annexes

Notes et références

Liens externes

• Notices d’autorité : Fichier d’autorité international virtuel ? International Standard Name Identifier ? Bibliothèque nationale de France ? Système universitaire de documentation ? Bibliothèque du Congrès ? Gemeinsame Normdatei ? WorldCat
• site officiel